Embracing the inherent openness of Design Research as a strength, the New Experimental Research in Design (NERD) conferences serve as an inclusive platform for showcasing, discussing, and critically examining the diverse ways in which design’s unique perspectives and capabilities can be employed as a research competence. NERD welcomes contributions from researchers worldwide, spanning all areas of Design Research, with a particular focus on empirical and experimental projects that demonstrate originality – or even boldness – in their choice of topics and methodological approaches.
The conference’s emphasis on empirical and experimental work reflects our conviction that the discourse on the value and potentials of Design Research should be led by example: What constitutes an effective method or approach only becomes evident when put into practice. For this reason, NERD also does not adhere to any predefined topics or schools of thought, recognizing that the qualitatively new transcends established categories.

Developed and realized by BIRD – the Board of International Research in Design, which publishes the book series of the same name at Birkhäuser – as an annual event with changing venues, NERD has firmly established itself and proven its productivity as a conference format, now entering its eighth iteration.

NERD ∞

NERD ∞ will be hosted by the Faculty of Media at Kiel University of Applied Sciences a stone’s throw from the Kiel Fjord, in midsummer 2027. The event will feature a curated selection of 30-minute research presentations, each followed by 30 minutes for audience questions and in-depth discussion.

We invite submissions from advanced graduate students, doctoral candidates, and early-career postdoctoral researchers to present their ongoing research or completed theses. Contributions should demonstrate a well-conceived, design-based, and empirical or experimental approach and may engage with a wide range of socially, culturally, and intellectually relevant questions.

We take the attributes New and Experimental in NERD seriously – even if sometimes we ourselves can’t say exactly what they mean: if we could, they would probably no longer be new or experimental, but conventional and predictable instead. In other words, we want to be surprised – by bold, unconventional, humorous, even anarchic approaches that challenge expectations and push the boundaries of Design Research.

How to apply

To apply, please submit an extended abstract (1,000–1,500 words) detailing your research project or the specific aspect you wish to present. Submissions should be sent to bird@bird-international-research-in-design.org by January 31, 2027. All submissions will undergo a blind review process, and applicants will be notified of the outcome by March 15, 2027. The conference will be held in English.

Call for Papers
NERD ∞ – New Experimental Research in Design
(Kiel, Jul 1–2, 2027)
Kiel University of Applied Sciences
Faculty of Media
July 1–2, 2027

Deadline: January 31, 2027

https://www.bird-international-research-in-design.org/conferences

10.11.2026 18:30-20:00 Uhr
Sabine-Lydia Schmidt „Open Air - Vortrag & Zine-Launch zu Musikpavillon-Typologien in europäischen Luftkurorten“

Die Dissertation widmet sich der architektonischen, kulturellen und performativen Bedeutung von Musikpavillons in europäischen Kurorten. Als zentrale Elemente historischer Kurparks werden sie kunst- und architekturwissenschaftlich untersucht – mit Fokus auf ihre skulpturale Qualität, Nutzungsgeschichte und akustische Besonderheiten. Sabine Lydia Schmidt promoviert in der Kunstgeschichte an der HfG.

17.11.2026 18:30-20:00 Uhr
Anoushirvan Masoudi „Displaced Bodies and Noisy Memories. Amateur-Videokultur und Untergrundmedien im postrevolutionären Iran.“
Diese praxisbasierte Dissertation untersucht die Entstehung einer spezifischen vernakulären Amateur-Videokultur im postrevolutionären Iran der 1980er und 1990er Jahre. Nach der Revolution von 1979 etablierte die Islamische Republik ein rigides visuelles Regime der Sittsamkeit, verdrängte die Populärkultur der vorrevolutionären Zeit und regulierte die Sichtbarkeit des Körpers im staatlichen Fernsehen. Gleichzeitig zirkulierte innerhalb eines illegalen Untergrundnetzwerks geschmuggeltes VHS-Bootleg-Material mit Aufnahmen aus der Zeit des Schahs, Bollywood-Filmen sowie iranischem Exilfernsehen aus Los Angeles (Tehrangeles). Anoushirvan Masoudi promoviert in der Medientheorie an der HfG.

02.02.2027 18:30-20:00 Uhr
Rike Zöllner „Das Kostüm als Performance: inszenierte Verflechtungen von Körper, Raum, Bewegung und Materialität“
Die Arbeit untersucht Kostüme nicht nur als Beiwerk von Inszenierungen, sondern als aktive, performative Elemente mit dramaturgischem Potenzial. Im Fokus stehen sogenannte costume-led performances, in denen das Kostüm Ausgangspunkt und zentrales Gestaltungselement ist. Dabei werden traditionelle Rollen von Körper, Kleidung und Bühne hinterfragt, neue narrative und interaktive Möglichkeiten ausgelotet. Theoretisch und praktisch wird erforscht, wie Kostüme jenseits ihrer visuellen Funktion als eigenständige Träger von Sinn, Identität und Handlung wirken können – und wie sie innerhalb postdramatischer wie auch textbasierter Kontexte neue Formen von Erzählung und Inszenierung ermöglichen. Rike Zöllner promoviert in der Kunstgeschichte an der HfG.

Anmoderation: Prof. Dr. Tom Bieling
Organisation: Riccarda Weih, Prof. Dr. Tom Bieling, Dr. Dorothee Ader (Klingspormuseum)
Plakat: Mignon Vahl.

Am Donnerstag, 5. November, eröffnen Katrin Brümmer und Martin Scholz die Veranstaltung. Den Auftakt bildet „The Pavilion of Transient Belonging/s“ von Jaspar Joseph-Lester, Josie Kane, Ben Judd, Antonia Low und Friedrich Weltzien. Es folgen Bettina Meyer mit „Macht Raum“, Diana Weis mit „Gesichter für den Algorithmus – Beauty-Kultur, Normierung und Normalisierung in den sozialen Medien“ sowie Sarah Lüdemann, bekannt als Beauham, mit „Körperung. Der Körper als Prozess in der polymorphen modularen Skulptur“. Anschließend spricht Anna Unterstab über „Schwesterlichkeit und Komplizinnenschaft: Design für Gemeinschaft“. Espen Wehmann beleuchtet mit „Queerfreundliche Vorstellungswelten – Potential und Grenzen widerständiger Vorstellungen in verbreiteten Games“ queere Perspektiven in digitalen Spielwelten. Susanne König-Beller widmet sich in „‚Jeder anders?’ – Die Gestaltung von Werbung zwischen Individuum und Zielgruppe“ gesellschaftlichen Bildern in der Werbung. Den Abschluss des inhaltlichen Programms bildet Martin Scholz mit „Filme bilden Gemeinschaft!?“. Eine von Katrin Brümmer moderierte Gesprächsrunde beendet den ersten Veranstaltungstag um 17 Uhr.

Am Freitag, 6. November, wird das Symposium fortgesetzt. Als Namensgeber steht Kurt Schwitters (1887–1948), ein bedeutender Vertreter der künstlerischen Avantgarde, für eine experimentelle Kunst, die traditionelle Grenzen zwischen Kunst und Alltag infrage stellte. An diese Offenheit knüpft die Veranstaltung an: Die von der Fakultät III der Hochschule Hannover ausgerichtete Reihe bringt wissenschaftliche Reflexion, künstlerische Positionen und gestalterische Praxis zusammen.

Im Mittelpunkt stehen Zukunftsbilder und ihre Bedeutung für Design, Gesellschaft und Transformation. In Vorträgen, Diskussionen und Workshops geht es unter anderem um künstliche Intelligenz, Nachhaltigkeit, spekulatives Design, Prototyping und neue Formen visueller Kommunikation.

Zu den Speakern zählen unter anderem Prof. Dr. Gerhard Schweppenhäuser, Malin Schulz (DIE ZEIT), Prof. Dr. Eileen Mandir, Prof. Andreas Muxel, Markus Turber vom Intuity Media Lab, Prof. Dr. Susanne Ritzmann (KHK, Kassel) sowie Prof. Sydney Craig und Nicholas Witten von der Indiana University. Ergänzt wird das Programm durch weitere Beiträge aus Design und Forschung.

Ein besonderer Bestandteil ist die begleitende Ausstellung „Imag(e)ining Futures“ mit Arbeiten von Studierenden der Fakultät Gestaltung. Damit verbindet die Veranstaltung theoretische Perspektiven mit konkreten gestalterischen Positionen.

Die Veranstaltung ist eine Initiative im Rahmen des Forschungsclusters des Verbunds der Designfakultäten des Freistaats Bayern D:BY und wird von bayern design sowie der Sparkasse Mainfranken Würzburg unterstützt. Die Teilnahme ist für THWS-Angehörige und externe Studierende kostenlos. Für externe Teilnehmer kostet ein Tagesticket 25 Euro, die Tagesverpflegung zusätzlich 12 Euro. Eine Anmeldung ist erforderlich.

Veranstalter: Fakultät Gestaltung der THWS
Organisation: Dr. Beatrice Barrois, Prof. Johanna Diehl, Prof. Carl Frech, Prof. Judith Glaser, Julian Moder, Prof. Erich Schöls und Samira Wirtz

Fakultät Gestaltung der THWS
Sanderheinrichsleitenweg 20, 97074 Würzburg

Weitere Informationen, das vollständige Programm und die Anmeldung:
fg.thws.de/aktivitaeten/imageining-futures/

This decision has a political dimension. Faced with a present marked by violence and social developments that he no longer wishes simply to document photographically, the act of no longer taking photographs becomes an artistic gesture in its own right. But the end of photographing does not mean the end of photographic images. The act of capture comes to a halt, while the existing material continues to evolve.

Working with his existing photographs, Albrecht-Schoeck develops his own systems and engages deeply with machine-learning processes. His work is based on open-source models that he further develops in response to his artistic questions and trains using his own material. For him, artificial intelligence is a tool whose underlying conditions he understands and deliberately shapes. Image generation is not left to a black box. At the same time, photography repeatedly reasserts itself: generated images are transferred onto photographic media or themselves become the subject of a new photographic image.

Albrecht-Schoeck’s work is self-reflexive on several levels. It interrogates the medium of photography, its technical conditions and its relationship to reality — while repeatedly turning the same scrutiny on the artist himself. Albrecht-Schoeck becomes a figure within his own images, multiplying and transforming himself. He appears as a man or a woman, as a child, an adult or an elderly person, inhabiting different identities and historical roles. His own image thus becomes material for an exploration of individuality, identity and the question of what an image can still claim to attest to.

At the same time, Albrecht-Schoeck (HfG Offenbach) moves between a wide range of visual languages. He quotes and layers styles, historical imagery and aesthetic codes, developing a distinctly individual visual language of his own. Much initially seems familiar, yet the longer one looks, the stranger it becomes. A particular sense of the uncanny emerges — a kind of uncanny valley that extends beyond individual bodies and faces to encompass entire visual worlds. Humour, exaggeration and absurdity are just as integral to the work as its critical engagement with media and its political dimensions.

Opening Reception
30 October 2026, 7 pm
Introduction by Dr Katrin Weleda

Opening Hours
Thursday & Friday, 4–7 pm
Saturday, 12–3 pm

Raum für Kunst der Darmstädter Sezession
Luisenstraße 16, 64283 Darmstadt

Poster: Mignon Vahl

Moderated by Prof. Dr. Tom Bieling, this edition features four contributions addressing a diverse range of questions at the intersections of design, media, art, architecture, and society. Niklas Schmidt presents his research under the title “Unbestimmtheitsstellen in der Produktsprache”, addressing the question of indeterminacy in product language. His contribution invites reflection on ambiguity and the ways in which products communicate meaning. Anoushirvan Masoudi presents “Displaced Bodies and Noisy Memories: Amateur Video Culture and the Aesthetics of Ordinary Bodies in Post-Revolutionary Iran”. His project focuses on amateur video culture in post-revolutionary Iran, bringing questions of visual representation, ordinary bodies, and memory into view. Romeo Bottiglia contributes “Autonomy and Inoperosità: Towards a Negative Theory of the Political in the Work of Art and Its Relation to Architectural Practices”. The project explores the concepts of autonomy and inoperosità in relation to the political dimensions of art and their connection to architectural practices. Marcel Dickhage presents “Arbeit und Subjektivierung und ihre Un/Sichtbarkeit”, focusing on the relationship between labour, subjectivation, and visibility. The contribution brings these interconnected concepts into the broader context of his doctoral research.

Held once or twice a year as an intensive block event, the colloquium provides a platform for presenting research in progress, whether through project presentations, text excerpts, or discussions of key research questions and findings. Beyond academic exchange, it fosters connections across research fields and strengthens the community of doctoral researchers at HfG Offenbach.

The link to this years online event room can be requested by emailing promovieren(at)hfg-offenbach.de.

Doch die Bedingungen für solche Begegnungen verändern sich. Digitalisierung, Privatisierung und Kommerzialisierung beeinflussen, wo und wie Menschen zusammenkommen. Zugleich teilen wir unsere Lebensräume nicht nur mit anderen Menschen, sondern auch mit Tieren, Pflanzen, Mikroorganismen und technischen Systemen. Damit stellen sich grundlegende Fragen: Wem gehört der gemeinsame Raum? Wer oder was darf dazugehören? Und wie lässt sich ein Zusammenleben gestalten, das unterschiedliche Bedürfnisse berücksichtigt und neue Formen der Verbindung ermöglicht?

Die Ausstellung „WAS WIR TEILEN“ nähert sich diesen Fragen aus der Perspektive der Designforschung. Kuratiert von Tom Bieling und Susanne Wieland, versammelt sie studentische Arbeiten aus dem Lehrgebiet Designtheorie der HfG Offenbach. Die vorgestellten Projekte untersuchen, wie Gestaltung dazu beitragen kann, gewohnte Sichtweisen zu hinterfragen und das Teilen als gemeinschaftliche Aufgabe zu verstehen (Bieling et al. 2025b). Im Mittelpunkt stehen dabei die Suche nach Gemeinsamkeiten, die Übernahme von Verantwortung und das Experimentieren mit neuen Formen des Zusammenlebens.

Die Ausstellung vereint Arbeiten aus fünf Seminaren: »Demokratie als Raum – Zur Topologie demokratischer Praxis«, »Gegenentwürfe – Politiken des Designs«, »Sympoietic Design – Koexistenz entwerfen«, »Pro und Contra – Design als Debatte«, »Design und Gemeinschaft«. Ergänzt werden sie durch Diplomprojekte sowie Bachelor- und Masterarbeiten aus dem Lehrgebiet Designtheorie von Prof. Dr. Tom Bieling.

Gezeigt werden Arbeiten von Fabian Arnold, Franka Bahlke, Noa Becker, Yasmine Ben Moussa, Paul Berger, Anton Birke, Christopher Bischoff, Devin Can, Xenia Christoph, Mi Düver, Kosmas Ftoulis, Sofia Gal, Lukas Gall, Simon Hanke, Fritz Held, Hannah Heruday, Antonia Hinderegger, Gerrit Hülsmann, Fionn Husemann, Alexej Kosin, Lukas Lange, Lennard Ludig, Clara Maldener, David Martin Maurer-Laube, Zachary Mentzos, Mark Mittasch, Fuheng Nan, Marie-Josefine Pavesi, Svea Marlen Rauch, Lorenz Recken, Simon Schmidt-Meinzer, Mia Schreiber, Carola Schulz, Sallar Shayegan, Anna Stashko, Jean-Luc Klaukien, Anna Koitschev und Konstantin Illi.

„WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben“ wird im Rahmen des WDC-Projekts „Places of Democracy / Orte der Demokratie“ präsentiert. Das Projekt wurde von Astrid Jäger und Monika Jäger in Zusammenarbeit mit dem Klingspormuseum und dem Haus der Stadtgeschichte initiiert. Unterstützt wird es vom Land Hessen, der Stadt Frankfurt am Main und dem Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben

Vernissage: Donnerstag, 29. Oktober, um 18 Uhr
Ausstellung: 30. Oktober bis 12. November 2026
Haus der Stadtgeschichte, Offenbach
Erich Martin Raum, Grafische Sammlung
Herrnstraße 61, Eingang B, 2. Obergeschoss

Plakat: Susanne Wieland
Foto: Sofia Gal

Bieling, T., Jonas, W. and Loschiavo dos Santos, M.C. (Eds.) (2025a): Community (&) Design: Material, Spatial, and Social Encounters. Mimesis International.

Bieling, T., Brandes, U., Christensen, M. and Jonas, W. (Eds.) (2025b): Nutzen statt Besitzen: Michael Erlhoff Revisited. BIRD Board of International Research in Design, Basel: Birkhäuser.

On 24 October 2026, HPM celebrates its 280th anniversary with a Tag der offenen Manufaktur. Visitors will have the opportunity to explore the manufactory’s history, discover current projects by HfG students and experience how a historic production site is being reimagined as a space for experimentation and research.

From Historic Manufactory to Contemporary Research Site

The story of HPM began when the Mainz Elector and Archbishop Johann Friedrich Karl von Ostein granted the founding privilege for a porcelain manufactory in Höchst in 1746. In the following decades, it developed into an important centre of European porcelain production. Among the artists associated with its early history was Johann Peter Melchior, who became model master in 1766 and created figurative designs that remain central to the manufactory’s artistic legacy.

The manufactory’s history was not without interruption. Political upheavals during the French Revolutionary Wars brought production to an end, and HPM was officially dissolved in 1796. Its legacy nevertheless survived through historical figures, moulds and designs. Production resumed in 1947, and the manufactory continued to evolve over the following decades, combining its historical identity with contemporary design.

A fundamental change came in 2023, when the HfG Offenbach took over the manufactory under a new concept. The aim is no longer simply to preserve a traditional production process, but to develop HPM as an interdisciplinary environment for teaching, research and artistic practice. Its historical moulds, tools, production facilities and specialist knowledge provide a unique foundation for exploring how established craftsmanship can inform new approaches to materials and manufacturing.

At the heart of this approach is the conviction that heritage and innovation are not opposites. Traditional porcelain production involves highly specialised knowledge of modelling, mould-making, casting, firing and surface finishing. Much of this knowledge is acquired through practice and experience. By preserving these skills while connecting them with digital manufacturing, ceramic 3D printing, robotics and experimental design methods, HPM creates opportunities for new forms of research. Its archive, too, becomes more than a repository of historical objects: it provides a starting point for investigating materials, techniques and forms across different periods.

HPM 1746 (Entwurf: Timo Lenzen).

Material Research, Artistic Practice and New Possibilities

Two complementary approaches to this work are represented by the Institute for Material Design (IMD), headed by Prof. Dr. Markus Holzbach, and the Ceramic Art Lab (CAL), led by artist and educator Merja Herzog-Hellstén.

Holzbach, Professor of Material Design at the HfG Offenbach since 2009, investigates the relationship between materials, form and manufacturing processes. At the Institute for Material Design, material is understood not simply as a resource to be shaped, but as an active part of the design process. The institute combines analogue craftsmanship with digital methods and explores how material properties, structures and technical possibilities can generate new forms. At HPM, this approach opens up a dialogue between the precision and experience of traditional porcelain production and emerging technologies, making material design an important part of the manufactory’s research activities.

The Ceramic Art Lab, led by Merja Herzog-Hellstén, approaches ceramics from an artistic and spatial perspective. A Finnish-born artist, curator and educator, Herzog-Hellstén has taught at the HfG since 2017. Her practice includes concept-based mixed-media installations and site-specific sculptures, exploring the relationship between material, object and space. At CAL, students from Art and Design experiment with ceramic materials, surfaces, sculptural forms and different production techniques. Ceramics becomes not only a craft or a means of creating functional objects, but also a medium for artistic inquiry and conceptual expression.

Together, the IMD and CAL demonstrate the breadth of HPM’s contemporary identity. While Holzbach’s work focuses on material research, form and manufacturing, Herzog-Hellstén explores the artistic and spatial potential of ceramics. Both approaches rely on experimentation and direct engagement with materials. Their proximity to the manufactory’s production facilities enables students, artists, designers and researchers to work alongside experienced specialists, bringing different forms of knowledge into dialogue.

The international HPM Residency Programme extends this approach beyond the university. Supported by the Aventis Foundation and the Crespo Foundation, the programme invites artists to engage intensively with porcelain and explore its possibilities at the intersection of art, technology and material culture. Access to the manufactory’s facilities and specialist expertise allows residents to develop experimental projects while contributing new perspectives to HPM’s evolving research environment.

The 280th anniversary therefore marks more than a milestone in the history of a historic manufactory. It highlights a transformation in which historical craftsmanship becomes a resource for contemporary research and creative practice. HPM is increasingly a place where knowledge is preserved by putting it to work — through experimentation, collaboration and the development of new approaches to materials and production.

Open Manufactory Day: 24 October 2026

The Tag der offenen Manufaktur offers visitors a chance to experience this transformation first-hand. From 11 am to 6 pm, exhibitions will present work from the Institute for Material Design, the Ceramic Art Lab and the HPM Residency Programme. The displays bring together designs, concepts, artistic ceramics and experimental projects, offering insights into the different ways in which porcelain and other materials can be explored today.

Guided tours at 12 noon and 3 pm will take visitors through 28 stations spanning 280 years of HPM history. They will offer insights into processes such as model and mould making, archiving, modelling, painting and firing. At 2 pm, historian Konstantin Lannert, curator of the new Bolongaro Museum, will give a lecture exploring HPM’s history through selected objects.

After 280 years, the story of Höchst porcelain is far from finished. Its future lies in the productive encounter between historical knowledge and new ideas, between craftsmanship and technology, and between art and research. By bringing these fields together, HPM is transforming its heritage into a living resource for the next generation of makers, artists and researchers.

Tag der offenen Manufaktur
24 October 2026, 11 am–6 pm
Höchster Porzellan-Manufaktur (HPM)
Palleskestraße 32, 65929 Frankfurt-Höchst, Germany

Holzbach, Markus & Tom Bieling: Material (&) Design – Research through Materialdesign. Mimesis International, Milano. [in print / to be published in Winter 2026]

Drawing on perspectives from Crip Theory, Disability Justice, and critical approaches to Inclusive Design, F9 – powered by 1822 & HfG invites students and graduates of the Department of Design at HfG Offenbach to submit work that explores bodies beyond normative assumptions and examines the relationships between bodies, things, spaces, and social conditions.

Writers and scholars such as Alison Kafer and Aimee Hamraie describe disability not as an individual characteristic, but as a category that emerges through its interaction with social, spatial, and material conditions. From this perspective, the focus of design also shifts. The question is no longer simply how bodies can adapt to existing environments, but rather which ideas of bodies and abilities design itself presupposes — and what possibilities emerge when accessibility, care, and interdependence become starting points for design processes.

F9 Art Space (founded by HfG Offenbach, located in Frankfurt Main) is looking for projects from the Department of Design at HfG Offenbach that engage with prosthetics, orthotics, assistive systems, adaptive tools, accessible interfaces, inclusive products, material experiments, or alternative technologies. It also welcomes work that critically examines ideals of functionality, efficiency, optimization, and repair, or that develops new ideas of embodiment, care, dependency, and collective accessibility.

The Open Call also welcomes work that does not directly address disability as its subject. What matters is that the work engages with questions of normalization, standardization, access, temporality, or the relationships between bodies and their environments. We welcome completed projects as well as prototypes, artistic positions, processes, research, and speculative designs.

The exhibition understands design as a cultural practice that does not merely reflect social ideas about bodies, but actively helps produce them. It aims to create a space in which design can become a means of critical inquiry and in which new ideas of accessibility, connectedness, and ways of living together can be explored.

Possible questions include:
. What kinds of bodies does design assume, and which bodies are consequently rendered invisible?
. How can prostheses or technologies be understood as extensions, translations, or autonomous forms of embodiment?
. What role can care and interdependence play in the design process?
. How does design change when accessibility is understood not as an afterthought or adaptation, but as a starting point?
. What alternative ideas of functionality or temporality can be imagined through design?

Who can apply?
The Open Call is exclusively open to students and graduates of the Department of Design at HfG Offenbach. Students must be enrolled in the Department of Design and have completed at least their 5th semester at the time of application. Graduates are eligible to apply if they completed their degree no more than two years ago.

Selection
Several positions will be selected for the exhibition. The selection will focus on works that offer different perspectives on the questions raised by the Open Call and that can enter into dialogue with one another. The aim is to provide a multifaceted insight into current design practices and critical approaches at HfG Offenbach.

What can be submitted?
You may submit completed projects as well as prototypes, material experiments, artistic positions, processes, research, or speculative designs. Works that are still in development and can be further developed before the exhibition are also welcome.

Accompanying programme
In addition to works for the exhibition, we also welcome ideas for an accompanying programme — including concepts for events, workshops, talks, screenings, or other formats that expand upon or deepen the themes of the exhibition.

Application
Please submit the following materials as a PDF:

Portfolio
A short concept statement (max. one page) explaining how the submitted work relates to the Open Call, or outlining how the work could be further developed in the context of the exhibition.

Email: f9@hfg-offenbach.de
Subject: Open Call Design
Deadline: 25 October 2026

The Open Call is an invitation to collectively consider which ideas of bodies are produced through design and how these ideas can be shifted. The exhibition aims to become a shared space for working and thinking, where different design positions can enter into dialogue and open up new perspectives on bodies, accessibility, and living together in society.

Exhibition

Opening: 15 January 2027
Duration: 16 January – 27 February 2027
Location: F9 – Exhibition Space of HfG Offenbach
Fahrgasse 9, 60311 Frankfurt

Das Projekt versteht Singen als eine niedrigschwellige Form der Teilhabe. Die eigene Stimme ist ein unmittelbares Ausdrucksmittel, das jeder Mensch mitbringt. Gemeinsames Singen mag hier soziale Unterschiede überbrücken, neue Begegnungen ermöglichen – vielleictha uch Räume schaffen, in denen Menschen miteinander in Kontakt treten.

Untefüttert durch räumliche Anordnungen und Konstellationen oder meterlangen Textblättern, die nur gemeinsam gehalten werden können werden die Singsessions zu gestalteten Situationen, in denen durch die bewusste Schaffung eines offenen Zugangs Formen der Zusammenkunft erprobt werden. Dabei wird nicht vorgegeben, wie Gemeinschaft auszusehen hat. Vielmehr entsteht sie im gemeinsamen Tun – durch Stimmen, Rhythmen, Zuhören und gegenseitige Aufmerksamkeit. Die Gestaltung liegt somit nicht allein bei den Projektinitiatorinnen, sondern auch bei den Menschen, die teilnehmen und den Prozess mit ihren Stimmen und ihrer Präsenz prägen.

Im Kontext der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026 eröffnet das Projekt eine Perspektive auf Design als gesellschaftliche Praxis. Betreut wird es als freies Vorhaben von Prof. Peter Eckart und Prof. Dr. Tom Bieling (HfG Offenbach).

Mit dieser Frage beschäftigt sich die Kulturwissenschaftlerin Elke Gaugele am Donnerstag, 22. Oktober 2026, um 18:30 Uhr am Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik in Frankfurt. Ihr Vortrag «Fashion und Faschismus – oder welche Rolle spielt Mode für die Demokratie?» durchleuchtet, wie rechtsextreme Ideologien längst nicht mehr ausschließlich über politische Programme oder klassische Propaganda vermittelt werden, sondern auch über Bilder, Stil, Marken, Kleidung und digitale Plattformen ihren Weg in den Alltag finden.

Gaugele untersucht, wie sich im Zuge eines neuen, digitalen Faschismus ein rechtsextremes Modenetzwerk entwickelt hat – und welche Ästhetiken, ökonomischen Strukturen, Plattformen und Strategien dabei eine Rolle spielen. Dabei richtet sich der Blick nicht nur auf Deutschland, sondern auf internationale Zusammenhänge.

Mode wird so zu einem Medium politischer Kommunikation: Sie kann Zugehörigkeit signalisieren, Grenzen zwischen «Wir» und «den Anderen» markieren und Ideologien über ihre ästhetische Oberfläche normalisieren. Gerade diese scheinbare Alltäglichkeit macht das Thema relevant. Denn politische Botschaften müssen nicht immer als solche erkennbar sein, um Wirkung zu entfalten.

Der Vortrag will sich jedoch nicht mit der Analyse rechter Strategien zufriedengeben. Denn dieselben gestalterischen und ästhetischen Möglichkeiten, die für politische Vereinnahmung genutzt werden können, lassen sich auch für demokratische Gegenwehr einsetzen. Designer:innen und zivilgesellschaftliche Initiativen entwickeln eigene Formen des Widerspruchs und setzen Mode bewusst ein, um sich gegen die Verbreitung und Normalisierung rechter Ästhetiken zu positionieren.

Gaugele ist empirische Kulturwissenschaftlerin und Professorin für Moden und Styles an der Akademie der bildenden Künste Wien, wo wie das Forschungsprojekt «Fashion and the Far Right: The New Complexity in Style» leitet. Zu ihren internationalen Publikationen gehören unter anderem Fashion and Postcolonial Critique und Aesthetic Politics in Fashion. Ihre Monografie Fashion und Faschismus. Zur Ästhetik neurechter Gewalt erscheint 2026.

Der Abend ist Teil der Reihe Thinking Design, mit der das Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik Gestaltung als ästhetische, materielle und soziale Praxis untersucht.

Fashion und Faschismus – oder welche Rolle spielt Mode für die Demokratie?
Donnerstag, 22. Oktober 2026
18:30–20:00 Uhr
Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik
Grüneburgweg 14, 60322 Frankfurt am Main
Vortrag in englischer Sprache

Yet these spaces cannot be taken for granted. Digitalisation, privatisation and commercialisation are transforming where and how we encounter one another. At the same time, we share our environment not only with other human beings, but also with animals, plants, microorganisms and technological systems. What does it mean to share space? Who or what is allowed to belong? And how can we develop ways of living together that take different interests into account and enable new forms of connection?

The exhibition “WAS WIR TEILEN” (WHAT WE SHARE), curated by Tom Bieling and Susanne Wieland, brings together projects by students at the Offenbach University of Art and Design (HfG Offenbach), developed within the teaching field Design Theory and Research. Approaching these questions through design-based research, the projects invite us to challenge familiar perspectives and understand sharing as a collective endeavour (Bieling et al. 2025b): an opportunity to explore common ground, take responsibility, and experiment with new forms of coexistence.

Plakat: Wieland, Foto: Sofia Gal.

The exhibition features work from the following seminars: Democracy as Space — On the Topology of Democratic Practice; Gegenentwürfe — The Politics of Design; Sympoietic Design — Designing Coexistence; Pro and Contra — Design as Debate; and Design and Community. It also includes diploma projects, BA and MA theses from the teaching area Design Theory and Research (Prof. Dr. Tom Bieling).

WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben
(WHAT WE SHARE – Design Research on Space and Coexistence)
Opening reception: Thursday, 29 October, 6 pm
Exhibition: 30 October – 12 November
Haus der Stadtgeschichte, Offenbach
Erich Martin Raum, Graphic Collection
Herrnstraße 61, Entrance B, 2nd floor

Featuring work by: Fabian Arnold, Franka Bahlke, Noa Becker, Yasmine Ben Moussa, Paul Berger, Anton Birke, Christopher Bischoff, Devin Can, Xenia Christoph, Mi Düver, Kosmas Ftoulis, Sofia Gal, Lukas Gall, Simon Hanke, Fritz Held, Hannah Heruday, Antonia Hinderegger, Gerrit Hülsmann, Fionn Husemann, Alexej Kosin, Lukas Lange, Lennard Ludig, Clara Maldener, David Martin Maurer-Laube, Zachary Mentzos, Mark Mittasch, Fuheng Nan, Marie-Josefine Pavesi, Svea Marlen Rauch, Lorenz Recken, Simon Schmidt-Meinzer, Mia Schreiber, Carola Schulz, Sallar Shayegan, Anna Stashko, Jean-Luc Klaukien, Anna Koitschev, and Konstantin Illi.

The exhibition is presented as part of the WDC project “Places of Democracy / Orte der Demokratie” (initiated by Astrid Jäger and Monika Jäger in collaboration with the Klingspormuseum and Haus der Stadtgeschichte), supported by the State of Hesse, the City of Frankfurt am Main, and the Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

Bieling, T., Jonas, W. and Loschiavo dos Santos, M.C. (Eds.) (2025a): Community (&) Design: Material, Spatial, and Social Encounters. Mimesis International.

Bieling, T., Brandes, U., Christensen, M. and Jonas, W. (Eds.) (2025b): Nutzen statt Besitzen: Michael Erlhoff Revisited. BIRD Board of International Research in Design, Basel: Birkhäuser.

Drawing parallels with the transformation of traditional printing, the lecture considers how design can shift its focus from routine production towards material exploration, meaningful interaction, and cultural expression. In this emerging landscape, the designer’s role is less about operating tools and more about shaping relationships between people, technologies, and materials.

Through selected projects addressing environmental awareness, digital inclusion, and the revival of traditional printing practices, Amado examines how design research can respond to changing social and technological conditions. Particular attention is given to the SiX Project, which explores how eye-tracking, experimental drawing interfaces, and AI-supported systems can enable people living with Locked-in Syndrome and ALS to express themselves and reconnect with others.

The lecture ultimately asks how design can embrace automation without losing sight of what makes it human. It proposes a future in which technological advances serve as a means to expand individual agency, while material sensitivity, critical reflection, and human connection remain central to both design practice and education.

Pedro Amado, PhD, is an Associate Professor in the Department of Design at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto (FBAUP), where he directs the Master’s Degree in Graphic Design and Editorial Projects. He is an integrated researcher at i2ADS and a collaborating member of ID+. His practice-led research explores typography, computational design, digital materiality, and human-computer interaction. He has contributed to numerous national and European research projects addressing ecological literacy, digital inclusion, smart materials, open-source letterpress tools, and the preservation of design knowledge. He is currently a senior researcher on the FCT-funded SiX project, Drawing for Social Re-connectivity, developing eye-gaze drawing interfaces and AI-assisted systems for people living with Locked-in Syndrome and ALS. He is also co-founder of the international Encontro de Tipografia conference and advocates for open-source tools, somatic resistance, epistemic sovereignty, and freedom of information.

Thematic Seminar
16 October 2026, 11:00 am
Room 2.08, FAL/UBI
Faculdade de Artes e Letras (FAL), Universidade da Beira Interior
Rua Marquês d’Ávila e Bolama
6201-001 Covilhã, Portugal

During her visit, Benaglia will present Haunted Images: Toxic Ecologies of Photography, a four-part lecture series that explores photography beyond its conventional understanding as a medium of representation. Across the sessions, she examines images as material and temporal processes shaped by ecological conditions, political structures, and more-than-human forms of agency.

What happens to photographs over time? How do chemical processes, resource extraction, and environmental change shape the images we produce? And what does authorship mean when materials, algorithms, and biological processes all contribute to the creation of an image? These questions form the starting point for a series that invites participants to reconsider photography as an unstable, evolving, and deeply interconnected practice.

The programme opens on Tuesday, October 13, with Haunted Images: Beyond Representation (14:30–16:00, Schloss, 2nd floor, Room C-206). Benaglia approaches photography as a hauntological medium in which images are not simply records of the past but sites of persistence, spectrality, and non-linear temporality. Rather than treating photographs as fixed objects to be interpreted, the lecture explores how images continue to act, change, and shape our experience of time.

On Wednesday, October 14, the second lecture, Toxic Materialities: Chemistry, Decay, and Life (14:30–16:00, Schloss, 2nd floor, Room C-206), turns to the material and ecological conditions of photography. Focusing on chemical transformations, toxicity, and decomposition, Benaglia examines how images mutate over time. Decay emerges not merely as a threat to preservation but also as a process through which images develop new forms of material vitality.

The third session, Extractivism and the Geological Image, takes place on Thursday, October 15 (10:00–11:30, Schloss, 2nd floor, Room C-206). Here, photography is situated within the global systems of resource extraction and material production on which it depends. Beginning with silver mining and colonial infrastructures, the lecture traces the connections between photographic technologies, environmental exploitation, and labour, highlighting the geological and political dimensions of image-making.

The series concludes on Friday, October 16, with Posthuman Agency and Distributed Authorship (10:00–11:30, Schloss, 2nd floor, Room C-206). This final lecture addresses changing notions of authorship in contemporary art and image practices. By considering the roles of matter, algorithms, and biological processes, Benaglia explores how creative agency can be distributed across human and non-human actors, challenging established ideas of artistic ownership and copyright.

Together, the four lectures offer an opportunity to engage with contemporary debates in photographic theory and practice while examining the broader ecological, political, and material networks in which images exist. Benaglia’s visit also creates space for exchange between students and faculty at HfG Offenbach and an international academic perspective, strengthening the collaboration between the two institutions.

All lectures will be held in English. Students and anyone interested in photography, contemporary art, and the material conditions of image-making are warmly invited to attend.

Zwei Jahre nach Erscheinen ist es nun mit dem 2026 ALAA-Thoma Foundation Exhibition Catalogue Award ausgezeichnet worden. Der Preis wird von der Association for Latin American Art (ALAA) vergeben; die Auszeichnung würdigt den von Gabriela Urtiaga herausgegebenen Ausstellungskatalog.

Der 2024 erschienene, zweisprachige Katalog (Englisch/Spanisch) begleitet die gleichnamige Ausstellung am Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach, Kalifornien. Auf 248 reich illustrierten Seiten untersucht er die Verbindungen von Kunst, Wissenschaft und Technologie in Lateinamerika von den 1960er-Jahren bis in die Gegenwart. Im Mittelpunkt steht der Dialog zwischen Pionier der elektronischen und technologischen Kunst und jüngeren künstlerischen Positionen.

Herausgegeben von Gabriela Urtiaga, Chief Curator des MOLAA, versammelt der Band Beiträge von José-Carlos Mariátegui, Rodrigo Alonso, Claudia Giannetti, Patrick Frank, Tania Aedo Arankowsky und David Maulén de los Reyes. Die beteiligten Künstler kommen aus Argentinien, Brasilien, Chile, Mexiko und Peru und umfassen unter anderem Marcela Armas, Dora Bartilotti, Martha Boto, Teresa Burga, Tania Candiani, Rejane Cantoni, Analivia Cordeiro, Waldemar Cordeiro, Patricia Domínguez, Juan Downey, Marta Minujín, Lucía Monge, Mariano Sardón und Pola Weiss.

Die Ausstellung ARTEÔNICA, die vom 22. September 2024 bis zum 23. Februar 2025 im MOLAA zu sehen war, entstand im Rahmen von Getty PST ART: Art & Science Collide. Ausgehend von Waldemar Cordeiro und der von ihm 1971 geprägten Idee der „arteônica“ zeichnete sie die Entwicklung lateinamerikanischer Kunst an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie über mehr als sechs Jahrzehnte nach.

Die Auszeichnung macht den Katalog nun auch unabhängig von der Ausstellung zu einer wichtigen Publikation zur Geschichte und Gegenwart lateinamerikanischer Kunst an der Schnittstelle von Technologie, Wissenschaft und gesellschaftlicher Praxis.

Design ist gesellschaftlich wirksam. Es produziert und ändert die Welt, in der wir leben. Die sozialen und ökologischen Folgen dieser schwerwiegenden Praxis begegnen uns heute als Krise der Demokratie und als Umweltkatastrophe. Diese dramatische Gleichzeitigkeit erfordert es, die Wirklichkeit nicht lediglich als äußerliche Umwelt zu begreifen, die uns umgibt, sondern als ein Geflecht aus Menschen, Organismen, Politiken und Dingen, in das wir eingebunden sind.

Wie sähe ein relationales Verständnis von Mitwelt aus, in dem ökologische Verantwortung untrennbar mit sozialer Gerechtigkeit verbunden ist? Wie kann Gestaltung an den mitweltlichen Beziehungen sanft partizipieren und sich darin parteiisch verorten? Ebenfalls im Rahmen des Symposiums findet der Workshop „Körperliche Raumproduktion“ statt, zu dem sich Interessierte hier anmelden können.

Grafik: Marcel Louis, Klasse Ingo Offermanns

Das Konferenzprogramm setzt sich aus fünf aufeinander bezogenen Blöcken zusammen.

MhVkTwadWELTe (oder: Manchmal haben Vorträge keinen Titel, wollen aber die WELT erklären)
Vortrag Friedrich von Borries

Welt, Umwelt, Mitwelt. Große Worte. Wie kann man darüber nachdenken, wenn man nicht Philosophie betreibt, sondern Designtheorie? Was ist der spezifische Zugriff dieser Disziplin? Und was hat „Welt“ mit der Abgrenzung von dem „Globalen“ von dem „Planetarischen“ zu tun? Vor dem Hintergrund seiner Bücher „Weltentwerfen. Eine politische Designtheorie“ und „Architektur im Anthropozän. Eine spekulative Archäologie“ und eines neuen Forschungsprojektes mit dem Arbeitstitel „Holy Shit“ denkt Friedrich von Borries laut über die Grenzen und Möglichkeiten von Design, Designgeschichte und Designtheorie im Angesicht der globalen Transformationsprozesse nach.

In Kontakt treten⁠ ⁠–⁠ ⁠Practicing Beginnings
Workshop und performative Situation Johanna Dehio, Sabine Zahn, Tilman Walther

Ausgehend von der Arbeit im Grundlagenjahr an der HFBK wird Gestaltung als offener, forschender Prozess verstanden, der aus Beobachtung, Experiment und Austausch entsteht. Im Mittelpunkt stehen die Bedingungen des Beginnens: Wie kommen wir miteinander in Kontakt? Wie entstehen Vertrauen, gemeinsame Handlungsfähigkeit und Verantwortung? Wie wird aus einem offenen Prozess eine Praxis – und wie positioniert sie sich in sozialen und ökologischen Zusammenhängen? Was gilt es zu lernen oder zu verlernen und wie können wir selbst handeln, statt Positionen zu reproduzieren? Gemeinsam mit Sabine Zahn und Tilman Walther untersucht der Beitrag Umweltgestaltung als relationale Praxis zwischen Körper, Raum und Öffentlichkeit. Das Symposium wird zum gemeinsamen Erfahrungsraum: Denken wird nicht als rein sprachlicher Vorgang begriffen, sondern als räumliche und körperliche Praxis. Die Teilnehmenden sind aktive Mitwirkende; gemeinsame Leitfragen verbinden Gäste und Publikum im Denkprozess.

Von innen heraus
Talk and Debate Anne Femmer, Folke Köbberling, Atelier LeBalto

Das vergangene Jahrhundert hat uns zu Meister*innen des distanzierten Gestaltens gemacht: Die Trennung von (intellektuell-kreativem) Denken und (physisch-materiellem) Tun machte Gestaltung planbar, delegierbar und monetär „handelbar“. Dieses Konzept der Abstraktion stößt nun an seine Grenzen. Nicht zuletzt der Neue Materialismus hat die Vorstellung einer passiven und beliebig formbaren Welt infrage gestellt und den Blick auf die vielfältigen Verflechtungen zwischen Menschen, Materialien und Umwelten gelenkt. Die „Planbarkeit“ trifft heute auf eine zunehmend fragmentierte, zerbrochene und reparaturbedürftige Welt, die sich kaum aus der Distanz erfassen⁠ ⁠–⁠ ⁠geschweige denn gestalten⁠ ⁠–⁠ ⁠lässt.

Um handlungsfähig zu bleiben, verlassen Gestalter*innen wie Folke Köbberling und das atelier le balto immer wieder ihre Professionsgrenzen und mischen sich praktisch-handelnd in „Realitäten“ ein. Gemeinsam diskutieren wir das Potenzial eines Entwerfens von innen heraus: aus größter Nähe zu Stoffströmen, Werkzeugen und Praktiken der Transformation.

How to Postpone the End of the World (Arbeitstitel)
Klangintervention und Gespräch Anne Duk Hee Jordan, Sasha Perera, Daniela Zyman

Ausgehend von den Gedanken Ailton Krenaks versammelt diese Veranstaltung Perspektiven aus Kunst, kuratorischer Praxis und Klang. Krenak ist ein indigener Denker, Schriftsteller, Umweltaktivist und eine wichtige politische Stimme Brasiliens. Er gehört dem Volk der Krenak an, das im Gebiet des Rio Doce lebt, einem Fluss, der durch eine der schwersten Umweltkatastrophen Brasiliens vergiftet wurde. In seinen Büchern kritisiert er die Vorstellung, der Mensch stehe außerhalb oder über der Natur. Stattdessen versteht er Flüsse, Berge, Tiere und Pflanzen als lebendige Verwandte und als Teil einer gemeinsamen Welt.Gemeinsam mit Daniela Zyman und Sasha Perera fragen wir, wie sich unser Verständnis von Umwelt hin zu einer Mitwelt verschieben lässt, einer Welt, in der Menschen, Tiere, Pflanzen, Mikroorganismen und Technologien in gegenseitigen Abhängigkeiten leben. Zwischen Gespräch, Klang und gemeinsamer Reflexion geht es um alternative Formen des Zusammenlebens, um Zuhören als Praxis und darum, wie Kunst neue Beziehungen zur lebendigen Welt eröffnen kann.

The Politics of Community Design
Statements und Diskussion Jesko Fezer, Silke van Dyk, Loraine Leeson

Umwelt ist natürlich immer auch (und vielleicht sogar vor allem) gesellschaftliche Mitwelt. Was uns verbindet und trennt, sind direkte wie vermittelte soziale Praktiken, aber auch materialisierte, subjektivierte und institutionalisierte gesellschaftliche Anordnungen. Ihre Gestaltung verteilt Möglichkeiten und Ausschlüsse, Überfluss und Mangel, Macht und Ohnmacht. Für eine ebenso kritische wie praktische Auseinandersetzung mit diesen wirkmächtigen Zusammenhängen braucht es neue Zugänge zur sozialen Mitwelt der Gestaltung: andere Akteurinnen als die üblichen müssen zu Partnerinnen von Gestaltungsprozessen werden. Doch sind lokale Gemeinschaften geeignete Ausgangspunkte, um die soziale Wirklichkeit gestalterisch zu bearbeiten? Wie können wir uns mit denen gemein machen, die bereits begonnen haben, sich dagegen zu engagieren? Gemeinsam mit der Community-Art Pionierin Loraine Leeson und der Soziologin Silke van Dyk soll erörtert werden, wie ein emanzipativer Bezug von Gestaltung zu lokalen Nachbarschaften aussehen kann und welche Fallen neoliberale Politik dafür aufgestellt hat.

From Environment to Mitwelt
Ein Symposium über öko-soziale Weltgestaltung
Mit Silke van Dyk (Jena), Folke Köbberling (Braunschweig), Atelier LeBalto (Berlin), Loraine Leeson (London), Katja Lonzeck (Hamburg), Sasha Perera (Berlin / London), Tilman Walther (Hamburg), Sabine Zahn (Berlin), Daniela Zyman (Wien). Konzipiert von Friedrich von Borries, Johanna Dehio, Anne Femmer, Jesko Fezer und Anne Duk Hee Jordan.

Studienschwerpunkt Design, HFBK Hamburg
17. Oktober 2026, 14-21 Uhr
Aula der HFBK Hamburg, Lerchenfeld 2
Deutsch/Englisch
Eintritt frei
www.hfbk-hamburg.de

Im Buch geht es unter anderem darum, wie sich Vorstellungen von individueller und kultureller Identität in der frühen Neuzeit entwickelten und welche Spuren diese historischen Prozesse bis in heutige gesellschaftliche Debatten hinterlassen. Stets vor dem Hintergrund, dass Design Normen und Identitäten mitprägt.

Franziska Sofia Meeder: A Collection of Modern Self
Mit Beiträgen von Uta Brandes, Tom Bieling, Sascia Reibel / Short Notice u.a.
https://www.slanted.de/a-collection-of-modern-self/

Auch in Frankfurt entwickelte sich eine vielfältige Publikationskultur. Unter Studierenden zirkulierten Raubdrucke sozialistischer Klassiker und Schriften der Frankfurter Schule. Zeitschriften wie der „diskus“ wurden zu Experimentierfeldern für neue Formen des Schreibens und Publizierens und trugen zur Herausbildung einer studentischen Gegenöffentlichkeit bei.

Das Symposium „Die Praxis des Textes“ nimmt diese Geschichte alternativer Printkulturen zum Ausgangspunkt und verfolgt ihre unterschiedlichen Formen und Kontexte. Im Mittelpunkt stehen Raubdrucke, Reprints, selbstorganisierte Verlage und Zeitschriften ebenso wie die politischen und sozialen Bedingungen ihrer Herstellung und Zirkulation. Der Blick reicht von den studentischen Publikationsprojekten der 1960er- und 1970er-Jahre, über queer-feministischen Selfpublishing-Projekten, bis hin zu Leranings aus dem Raubdruck für heutige Fragen nach Zugang oder Verbreitung.

Programm

11:00–11:15 Uhr
Begrüßung und Einführung

11:15–12:00 Uhr
Michaela Filla-Raquin: Publizieren als Experiment.
Der diskus und die Anfänge einer studentischen Gegenöffentlichkeit

12:10–13:00 Uhr
Annette Gilbert:
„Die verlorene Bibliothek“: Reprints zwischen Gemeinnutz, Profit und Recht

13:00–14:00 Uhr
Mittagspause

14:00–14:45 Uhr
Hannah Stöwe: „Von Amazonen bis Hexen.
Lesbisch-feministisches Selfpublishing in West-Berlin.“

14:50–15:35 Uhr
Jasper Otto Eisenecker: Learning from Raubdruck:
Über Zugang, Zirkulation und Gegenöffentlichkeit im Jetzt

15:45–16:30 Uhr
Benedict Sepp: „Gegenwissen selbermachen.
Raubdrucke als genuine Theorieform der antiautoritären Bewegung.“

16:40–17:25 Uhr
Jonas von Lenthe: „Distributing Wirklichkeit:
Zur Vertriebsgeschichte des Verlags Wirklichkeit Books“

Die Praxis des Textes –
Raubdrucke und politisches Self-Publishing von den 1960er Jahren bis heute
9 Oktober 2026, 11–18 Uhr
Museum Angewandte Kunst
Schaumainkai 17, 60594 Frankfurt am Main

Das Symposium ist Teil des Programms der World Design Capital 2026 Frankfurt RheinMain.
Der Eintritt ist frei.

Organisation: Finn Gölitzer, Adrian Baczyk, Emma Bieck, Nina Sieverding und Adrian Nießler (HfG Offenbach).

The day opens with interventions in public space — physical and digital — as stages for democratic practice. Projects from the WDC programme will be presented that take a clear position in the urban environment: from kiosks as places of solidarity and objects of resistance to formats that make history and democracy visible in everyday life. Through dialogue between the projects and with the audience, the programme explores what such interventions can achieve and how they can shape public life.

The symposium then brings together international perspectives on a political understanding of design, creating a space for resonance around Partisan Design — design that takes a side, situated in the tension between responsibility, engagement and transformation. At its heart are questions of what a politicised design discipline might look like, what new roles designers can assume in public space, and what it means to understand design as a social and political stance.

Programme Thusday, 12 November 2026

10:00  Registration

10:30–10:50 Opening Remarks (Tom Bieling, Felix Kosok, Adrian Niessler)

10:50–12:30 Project Presentations

Imprints of History / Geschichtsabrücke: HfG Off + Marina Kampka / Studio Pari Pari
(Dialogue: History → Object)

Objects of Resistance: Mañana Bold + Maziar Rezai + Nila Rezai (Crafted Liberation) + RK Collective
(Dialogue: Protest → Solidarity)

Kiosk of Solidarity Moritz Ahlert + Felix Egle 
(Dialogue: Solidarity → Public Space) 

WDC Pavilion – Construct Lab
(Dialogue: Public Space → Digital Space) 

Working on Democracy – HfG Off + Maiken Laakmann
(Dialogue: Digital Space → Participation) 

Democracy Kiosks 

12:30–13:00 Plenum

13:00–14:30 Break

14:30–14:45 Introduction (Tom Bieling + BIRD) 

14:45–15:30 Keynote 1: 
Noemi Biasseton (“Superstorm: Design and Politics in the Age of Information”)
Introduction: Uta Brandes (BIRD / iGDN)

15:30–16:15 Keynote 2: 
Silvio Lorusso (“What Design Can’t Do”)
Introduction: Marc Pfaff (BIRD / TU Berlin)

16:15–17:00 Keynote 3: 
Tatjana Schneider (GTAS Braunschweig)
Introduction: Michelle Christensen (BIRD / UdK Berlin) 

17:00–17:15 Coffee Break

17:15–18:15 Panel: 
Silvio Lorusso, Tatjana Schneider, Noemi Biasseton, Uta Brandes, Michelle Christensen, Marc Pfaff, Tom Bieling

18:15–18:30 Closing Remarks

18:30–20:30 Evening Reception

Venue
HfG Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main
University of Art and Design
Schlossstraße 31 (Aula)
D-63065 Offenbach am Main 

Hosted by Lehrgebiet Designtheorie at HfG Offenbach, organized with BIRD – the Board of International Research in Design and WDC 2026 Rhein-Main. 

Organizing Partners: Tom Bieling (Lehrgebiet: Designtheorie) & Felix Kosok (WDC), Ulrike Gruenewald and Susanne Wieland (HfG Offenbach). 

The symposium is accompanied by the exhibition “WAS WIR TEILEN” (What we share), curated by Tom Bieling and Susanne Wieland at Haus der Stadtgeschichte, in collaboration with Klingspormuseum Offenbach. 

Nießler brings extensive experience in art, design, education, and creative practice to his new role. He has been a Professor of Communication Design at HfG Offenbach since 2020 and served as Dean of the Faculty of Art since 2024. In July 2026, he was elected President by the university’s extended Senate.

“I am very grateful for the trust placed in me by the extended Senate and the university community. I look forward to shaping the future of HfG together with our students, teachers, and staff,” says Nießler.

For Nießler, leading an art and design university today means engaging with a world shaped by war, social and economic crises, and rapid technological change. At the same time, he sees these challenges as an opportunity to rethink the role of art and design in society.

“Art universities are places where all of these developments are negotiated,” Nießler explains. “Art and design have the power to bring important issues into society and thus make a significant contribution to strengthening democracy.”

A central aspect of his vision is the interplay between practical craftsmanship, research, and academic reflection across the different fields of art and design. In times of profound social and technological transformation, he believes that art universities can serve as models for developing new ways of working and learning.

Timon Gremmels, Hessian Minister for Science and Research, the Arts and Culture, and Adrian Nießler, the new HfG President. © HMWK

From HfG Student to President

Born in Göttingen in 1978, Adrian Nießler lives and works in Frankfurt am Main. His connection to HfG Offenbach goes back to his own studies at the university. In 2006, he founded the design studio Pixelgarten together with Catrin Altenbrandt. Working at the intersection of communication and interaction, the studio develops exhibitions, digital and analogue media, and visual identities for NGOs, companies, and institutions. Its work focuses on making complex subjects accessible and tangible through design.

In 2020, Nießler and Altenbrandt were appointed to professorships in Communication Design at HfG Offenbach. Six years later, Nießler now returns to the university’s leadership in a new role: as its President. His appointment marks the beginning of a new chapter for HfG Offenbach — one that places art and design at the center of conversations about technological change, social transformation, and the future of education.

As Nießler takes office, his focus is clear: to work together with the entire HfG community to explore how an art university can respond creatively and critically to the challenges of the present while developing new perspectives for the future.