Rather than focusing on new offers, the project and conference address how existing services can be better connected: how can walking, cycling, public transport, stops, shared-mobility stations, information systems, and digital services be designed to be simple, safe, and comfortable for everyone?

Experts from academia, practice, policy, and industry will present research findings and engage in discussion. The event also features the presentation of the third volume of Mobility Design – Shaping the Future of Mobility (Volume 3: Transfer) (Andersen et al. 2026).

The morning program includes keynote talks, followed by application-oriented workshops in the afternoon, including a Mobility Walk and a discussion on the role of future visions in shaping new mobility.

Schedule – Designing Transitions: Conference on Intermodal Mobility Design

09:30 | Welcome Address
Sabine Groß – Mayor of the City of Offenbach am Main

10:00 | Introduction
Prof. Kai Vöckler – Professor of Urban Design, Hochschule für Gestaltung Offenbach
Presentation of the InterMoDe research project and an overview of the workshops

11:00 | Keynote 1
Weert Canzler – WZB Berlin Social Science Center
Insights from the accompanying research of the InterMoDe project

11:30 | Keynote 2
Christoph Overs – Zukunftsnetz Mobilität NRW
Practical perspectives from mobility practice

12:00 | Lunch Break

13:00 | Workshops

01 Mobility Walk – Exploring transfers between transport modes from different perspectives

02 GIS & Environment Maps – Understanding intermodal spaces and connections

03 Future Vision – The role of future scenarios in mobility planning and communication

04 Best Practices – Learning from successful examples in other cities

05 Shaping Collaboration – Strengthening communication and planning processes

15:30 | Coffee Break

16:30 | Wrap-Up and Closing Remarks

From 17:00 | Get-Together

WORKSHOPS

01 MOBILITY WALK
Suitcases, strollers, and other perspectives – What does transferring between modes of transport in the city feel like?

During a guided city walk through a selected transfer situation in Offenbach, participants will explore how it feels to change between different modes of transport from various perspectives: with a suitcase, stroller, or limited mobility.

The workshop jointly analyzes how design influences orientation, stay quality, and accessibility – and how urban mobility actually feels when the perspective shifts.

With Julian Schwarze and Johannes Häffner.

02 INTERMODAL ENVIRONMENT MAPS
Understanding and communicating intermodal spaces

Using digital maps and GIS data, the spatial relationships around central mobility hubs are examined and visualized. The workshop highlights how existing mobility services interlock and identifies where design can create new connections.

With Anton Viehl and Andreas Blitz.

03 FUTURE VISION
The role of future visions in communication

Future visions shape how people think and talk about mobility. This workshop explores the significance of visual and narrative future scenarios in planning processes – how they provide orientation, stimulate discussion, and make complex relationships understandable. Participants will jointly reflect on their impact and use in communicating mobility topics.

With Annika Storch and Amelie Ikas.

04 BEST PRACTICES
Comparing designs

Based on selected examples from different cities, the workshop discusses how transfer situations can be designed and what lessons can be learned from successful projects. Participants are invited to examine different approaches, discuss their qualities, and relate them to the design guidelines
developed in the project.

With Prof. Peter Eckart.

05 SHAPING COLLABORATION
Strengthening communication and simplifying processes

Typical challenges in planning and designing intermodal mobility are made visible using practical examples. Building on this, participants learn methods to support clearer and more effective collaboration. Together, they then develop ways to transfer these approaches to their own planning practice.

With Hanna Baderund and Dana Stolte.

–> Registration (for free)

6 March 2026
Designing Transitions – Conference on Intermodal Mobility Design
17:00, Aula HfG Offenbach, Schlossstraße 31, Offenbach

Mayor Sabine Groß (Offenbach) opens the symposium, 6 March 2026 (Foto: Bieling).

Andersen, Heike / Bader, Hanna / Blitz, Andreas / Eckart, Peter / Grzesiek, Andreas / Ikas, Amelie / Schwarze, Julian / Viehl, Anton & Vöckler, Kai (2026). Mobility Design: Die Zukunft der Mobilität gestalten. Band 3: Transfer. Berlin: JOVIS Verlag. ISBN 978‑3‑98612‑173‑0

Rather than presenting a linear stylistic history, Gram approaches design as a cultural and institutional construct. She traces its emergence to the intertwined forces of industrialization, technological change, shifting consumer cultures, and the formation of professional and educational infrastructures in the nineteenth and early twentieth centuries. Design, in her account, was not suddenly invented but gradually assembled—named, formalized, taught, and strategically positioned between art, industry, and commerce. By foregrounding these processes of professionalization and legitimation, Gram reveals that the history of design is inseparable from questions of power, authority, and economic interest.

One of the book’s most compelling contributions lies in its attention to language and framing. Design becomes a discipline not merely through practice, but through discourse: through the institutions that codify it, the manifestos that define it, and the markets that depend on it. Gram’s analysis resists celebratory narratives of innovation and instead exposes tensions, contradictions, and ideological undercurrents that have shaped the field. In doing so, she destabilizes the assumption that design is a neutral or purely aesthetic endeavor.

By demonstrating that design has always been shaped by cultural, political, and economic forces, Gram invites us to reconsider the assumptions underpinning present-day practice. In this sense, the book is less a retrospective account than a critical intervention—one that encourages the design community to reflect on how its own foundations were constructed, and how they might yet be reimagined.

Gram, Maggie (2025):
The Invention of Design: a twentieth-century history.
New York: Basic Books.
ISBN: 9781541600638.

Nearly a decade ago, Victor Margolin and Ezio Manzini’s open letter “Stand Up For Democracy” urged the design community to recognize its responsibility in shaping democracy worldwide. That letter articulated a growing understanding of design not only as a professional practice, but as a civic force that helps build the infrastructures of participation, communication, and collective life.

Today, we write not to repeat that call, but to advance it. Yet much of what has been articulated has not entered practice. This letter is another incitement toward doing so.

In recent months, Iran has entered a period marked by widespread repression, mass detentions, and severe violence, alongside repeated disruptions to communication infrastructures. At stake are the fundamental conditions that allow people to speak, assemble, and participate safely in public life.

Across many international professional and academic contexts, including within our own discipline, responses have often remained cautious or silent. Yet silence is not neutral. Neutrality is also a position, a stance of silent consent.

The subject of design is the human being. Not merely as users or consumers, but as people within society. Where human dignity is at risk, design must act. If we lose this principle, design is reduced to a tool.

Design cannot be separated from politics. Yet its concern must remain with people, not with their reduction to game pieces in ideological conflicts, and not with deciding which people matter in which part of the world.

If design claims a role in democratic life, then the ongoing uprising and repression in Iran are where that claim must be proven.

Our field possesses concrete capacities that are directly relevant in times of civic strain: the ability to visualize complex systems, to communicate across differences, to structure participation, to build and sustain channels of inquiry, and to translate concern into coordinated action.

We therefore call on the global design community to move beyond tokenistic acknowledgment toward meaningful engagement through more substantial forms of solidarity including:

• designing for connectivity in response to restrictions on communication and civic participation inside Iran;

• actively identifying, inviting, and safeguarding the participation of those directly affected;

• providing sustained academic, institutional, and action-oriented support for Iranian designers, design students, and researchers, including mentorship, collaborative platforms, and projects that respond to present conditions;

• leveraging informational, transformation, and system design to make invisible conditions visible, to render longstanding demands for structural change legible beyond Iran, and to enable durable exchange and collaboration;

• contributing to the enrichment of discourse on design for democracy, not merely in terms of designing new ballot boxes, but in redesigning democratic infrastructures.

Alongside these actions, we invite an open and sustained dialogue within the global design community on the role articulated in this letter, not as an abstract debate, but as a collective effort to deepen and refine the language, practices, and responsibilities of design in times of crisis. Action and reflection must reinforce one another.

To break silence is not to speak for others; it is to ensure that those whose voices are constrained are not cut off from the global networks that shape knowledge and practice.

We therefore urge our colleagues worldwide to stand clearly and collectively in defense of the conditions under which dignity and shared life remain possible.

Those Who Stand
The following individuals have publicly endorsed this letter.
Names are listed upon verification.

Simon Meienberg
Jan Zurwellen
Wolfgang Jonas
Bijan Aryana
Tom Bieling
Moein Nedaei
Nila Rezaei
Felix Kosok
Maziar Rezai
Birger Sevaldson
Birgit Mager
John Thackara
Uta Brandes

Alongside these actions, we invite an open and sustained dialogue within the global design community on the role articulated in this letter, not as an abstract debate, but as a collective effort to deepen and refine the language, practices, and responsibilities of design in times of crisis. Action and reflection must reinforce one another.

link: https://designersmustact.com/

Im Kern seines Buches steht die These, dass soziale Medien nicht nur ablenken, sondern verletzen – und zwar auf eine Weise, die strukturell in ihrer Architektur verankert ist. Lovink führt hierfür den Begriff des „Copium“ ein: ein metaphorisches Opiat, das Nutzer:innen betäubt und sie in Endlosschleifen von Scrollen, Ablenkung und algorithmischer Manipulation gefangen hält. Es sind nicht die einzelnen Beiträge, Memes oder Hashtags, die das Problem ausmachen, sondern die Logik der Plattformen selbst: Sie sind Engagementmaschinen, die psychische Resonanzen in monetäre Werte verwandeln. Algorithmen amplifizieren Wut, Angst und Sensationslust, während die illusorische Nähe von Likes und Followern reale soziale Bindungen ersetzt. In dieser Analyse verschränkt Lovink medienwissenschaftliche Perspektiven mit popkulturellen Beobachtungen: Influencer-Kultur, virale Trends, TikTok‑Challenges oder Meme-Formate werden als symptomatische Phänomene einer „permanenten Permakrise“ gelesen – einer Welt, in der Aufmerksamkeit zur Währung und psychische Erschöpfung zur Norm geworden ist.

Lovink gelingt es, die gesellschaftliche Dimension dieser digitalen Dynamiken sichtbar zu machen. Unter dem Schlagwort Techno‑Feudalismus argumentiert er, dass Plattformen de facto neue Machtarchitekturen errichten: Wer den Code kontrolliert, bestimmt, was Aufmerksamkeit erhält. Wer die Daten besitzt, bestimmt, welche Identitäten sichtbar oder unsichtbar sind. Damit verschiebt sich die Debatte über soziale Medien vom individuellen Verhalten hin zur strukturellen Gewalt. Nutzer:innen sind nicht nur Opfer von algorithmischer Logik, sie sind Teil eines Systems, das sie manipuliert, marginalisiert und ausnutzt – und das zugleich die Illusion von Freiheit und Teilhabe aufrechterhält.

Dennoch bleibt Lovink nicht bei der bloßen Diagnose. Sein Aufruf zum kollektiven Rückzug aus den sozialen Medien ist ebenso programmatisch wie visionär. Es geht ihm nicht um asketische Selbstgeißelung oder technologische Abstinenz, sondern um die bewusste Wiederaneignung digitaler Mündigkeit. In diesem Sinne ist “Die Brutalität der Plattform” kein reines Kulturkritikbuch, sondern auch ein Manifest für Selbstbestimmung im digitalen Zeitalter. Erwähnt sei hier seine Idee des Dreamful Computing: Die Fähigkeit zu träumen und offline zu reflektieren wird als notwendiger Gegenpol zu permanenter digitaler Stimulation gedacht – eine Praxis, die psychische Integrität, kollektive Imagination und kreative Subversion ermöglichen soll.

Lovinks Stärke liegt auch in seiner stilistischen Klarheit. Anders als viele medienwissenschaftliche Arbeiten liest sich das Buch nicht als nüchterne Theorieabhandlung, sondern als essayistisches, pointiertes Dokument der Gegenwart. Popkultur, Meme-Analysen, philosophische Reflexionen und politische Theorie verschränken sich zu einem dichten, zugleich lebendigen Text, der die Widersprüche digitaler Gesellschaften aufzeigt: Hier die Lust an permanenter Vernetzung, dort die strukturelle Gewalt der Plattformen, zwischen denen die Nutzenden zerrieben werden.

Sicher, sein Vorschlag des kollektiven Rückzugs scheint ambitioniert. Und konkrete, gesellschaftlich-politische Umsetzungsstrategien werden eher skizziert als ausgearbeitet. Doch gerade die Radikalität seines Ansatzes macht das Buch wertvoll: Es konfrontiert uns mit der nach wie vor unbequemen Frage, wie viel Macht wir den Plattformen freiwillig noch überlassen und welche Konsequenzen die digitale Transformation Ebenen hat. Lovink zeigt, dass die sozialen Medien längst nicht mehr nur Technik, sondern gesellschaftliche Infrastruktur sind – und dass ihre Gewalt strukturell, subtil und alltäglich ist.

Lovink, Geert (2025):
Die Brutalität der Plattform – Von der radikalen Kritik zum Exodus der Sozialen Medien.
Bielefeld: transcript, Digitale Gesellschaft, 246 Seiten.
ISBN 978‑3‑8376‑8005‑8.

Against this backdrop, the project “GoBean” by HfG Offenbach design students Aranza V. Sanchez and Song Yeon Lee has been nominated for the Concept Award at the Green Product Award. The project was developed at the Institute for Material Design at HfG Offenbach in cooperation with the Höchster Porzellan Manufaktur (supervised by Prof. Dr. Markus Holzbach).

“GoBean” is a 100 percent compostable, ergonomically shaped coffee cup sleeve that offers a sustainable alternative to conventional disposable sleeves. It is made from locally collected coffee grounds and natural binders and is both water- and heat-resistant. The material fully decomposes within approximately three weeks or can be reused for planting. The business model incentivizes cafés to supply coffee grounds for production, giving waste a second life.

Since 2013, the Green Concept Award has recognized outstanding products and services that have not yet been launched on the market. Certified by the Green Future Club and supported by the IKEA Stiftung, the award honors forward-looking innovations that address ecological, social, and functional challenges through exceptional design.

The exhibited positions span installation, photography, text, sculpture, performance, and digital practices. Through the interplay of different works and modes of observation, a network of relations emerges that maps the field of the social. Artistic research thus becomes a revelatory process, making social structures visible and opening them up for discussion—without claiming completeness.

Social Findings is part of the teaching practice of the course “Social Art”, led by Prof. Alexander Oppermann and lecturer Luca Ganz, and directly connects to the seminar’s inquiries into the (digital) transformation of society as both a condition and a subject of artistic practice. The opening takes place on February 20 at 6 pm, followed by a performance day on February 21. The exhibition is open daily from 3 to 6 pm (closed on Mondays).

Participating artists:
Julien Nagel Fontes Pereira · Lukas Meißauer · Alex Barth López · Lena Blaschke · Marlene de Lauro · Lisa Fink · Nelly Habelt · Mattes Hartema · Jonas Kindinger · Simon Löhrer · Greta Maldener · Nicolas Marino · Mod · Momo

“Worlding” refers to the ongoing performative process through which worlds and worldviews are continuously produced. As such, worlding is never complete; it remains open to negotiation. Art is uniquely suited to simulate, make tangible, and critically reflect on new forms of worlding. The thematic group exhibition AI-Worlding examines the impact of AI systems on the production of worlds and worldviews from an artistic perspective.

At its core is the artistic experiment as a research tool: on the one hand, to render perceptible the limits of the supposedly limitless possibility spaces of generative models; on the other, to explore the constantly shifting relationship between humans and AI systems. When does AI function merely as a tool, when does it become a co-creator—and at what point does its agency turn into a determining force in social and artistic processes? How do AI systems influence worldings, and conversely, can worldings reshape the way we interact with these systems?

These questions form the foundation of the exhibition, developed in collaboration between the Museum Angewandte Kunst Frankfurt and saasfee.pavillon. An interdisciplinary team from the Hochschule für Gestaltung Offenbach—led by Alex Oppermann, Professor of Electronic Media, together with Mattis Kuhn and Leon-Etienne Kühr (Heads of the AI Lab), and Natalie Wilke (Electronic Media Department), in collaboration with students—brings together artistic research and societal reflection within this project.

Poster: Farzam Mehdizadeh

The exhibition presents a wide range of contemporary artistic positions developed specifically for the Museum Angewandte Kunst: generated images and texts, paintings, video works, immersive environments, and interactive sound and spatial installations. The thematic focus makes clear that there is not one single AI, but rather diverse AI systems with varied applications. The relationship between human and technology is repeatedly put into question: at times AI operates as a passive tool, at others as a co-creator, and in some cases it assumes a substantial role in artistic decision-making processes.

Several artists feed aspects of their identity, memories, or working processes into AI models and systems, probing—or perforating—the boundaries between human and algorithmic production, between extension and reduction of the self. Visitors, too, often become part of these processes: through the AI-based processing of exhibition data, certain works generate dynamic feedback loops in which technology and human interaction exist in constant interplay.

The exhibition also negotiates the relationship between synthetic data and its real-world origins. Which norms, biases, and exclusions are reproduced or amplified by AI systems? Artists address the standardization of digital body images and their feedback effects on physical bodies. Across the works, past and present overlap, as altered memories and perceptions give rise to new realities.

AI-Worlding invites audiences to experience AI-based worldings and to reflect on our relationship with technology—both as individuals and as a society.

Participating Artists
allapopp, Anton Andrienko, Elisa Deutloff, Egor Dmitriev, Xiangyu Fu, Chelsea Hartmann, Marlon Hesse, Ava Leandra Kleber, Max Kreis, Mattis Kuhn, Leon-Etienne Kühr, Seongsin Lee, Ting-Chun Liu, June Pauli, saasfee* (Alex Oppermann, Al Dhanab, Maciej Medrala), Evgeny Tverdokhlebov, Natalie Wilke.

Opening at Museum Angewandte Kunst
12. Februar 2026, 19 Uhr
Schaumainkai 17, 60594 Frankfurt am Main

Opening at saasfee.pavillon
19. Februar 2026
Bleichstraße 64-66, 60313 Frankfurt am Main

This tension is particularly evident in the realm of design. Everyday objects, furniture, and graphic works reveal how the city’s aesthetics oscillated between artisanal tradition and functional innovation. Many designs still rely on ornamentation, warm materials, and bourgeois comfort, while at the same time clear lines, sober forms, and a new functional logic begin to emerge. Design here is not an autonomous aesthetic experiment but a response to changed living conditions. The exhibition makes it clear that in Cologne, design was conceived as an integral part of daily life: living, working, and leisure were reorganized without abandoning the emotional attachment to familiar forms.

The art on display follows a similarly mediating approach. Cologne is not presented as a center of radical avant-garde movements, but as a city in which multiple artistic currents coexisted. Expressionist and New Objectivity works respond to the experiences of war, social tensions, and societal change, without entirely abandoning local traditions. Notably, art was deeply embedded in urban structures: museums, associations, and exhibitions functioned as spaces of exchange, where art was understood as a commentary on society. The exhibition conveys an image of art that seeks less to provoke than to guide and reflect.

A similar pattern emerges in architecture and urban planning. Despite limited resources, Cologne developed ambitious visions of itself as a modern metropolis. New residential districts, transportation projects, and exhibition halls reflect a functional, forward-looking approach closely tied to social reform ideas. Architecture is understood not only as a formal discipline but as a means to improve living conditions. At the same time, the historic urban fabric remains present, creating the impression of a consciously chosen coexistence of old and new. Modernity appears not as a rupture, but as an extension of the existing.

The exhibition comes alive particularly when it focuses on the city’s cultural life. Theater, music, carnival, dance halls, and early cinemas paint a picture of a society that, despite political uncertainty, sought pleasure, community, and forms of expression. The “Cologne gemütlichkeit” is not presented as a nostalgic cliché but as a social practice that fostered cohesion and made modernization feasible. New media and leisure forms transformed urban life and contributed to the development of a modern, widely accessible cultural consciousness.

“The panel exhibition takes a look behind the scenes: from the end of the war and the British occupation to city life, leisure and the arts. Cologne is a city on the move yet still rooted in tradition, oscillating between a cosy local identity and big-city modernity. Much like today.

After the British withdrawal in early 1926, Butzweilerhof Airport develops into the “Air Hub of the West”. When the Cologne–Paris air route opens in May 1926, Adenauer lets himself be photographed in the cockpit – a striking image of a city embracing the future. Despite its challenges, the Weimar Republic promises progress. The global economic crisis is still years away, the Nazis just a tiny fringe group. Much that once seemed impossible now looks within reach – also and especially in Cologne. This young democracy’s future collapse is by no means a foregone conclusion.“ [1]

The exhibition impresses with its calm, nuanced narrative. It avoids simplistic narratives of progress and instead shows how modernity in Cologne was lived as a process of negotiation—between tradition and renewal, local identity and international influence. These subtle tensions make “Gemütlichkeit und Moderne. Cologne 1918–1926” a remarkable exhibition, one that bridges historical distance with striking relevance and invites reflection on the interplay of city, culture, and social change.

Comfort and Modernity
Cologne 1918–1926
Exhibition venue:
LVR-Landeshaus, Cologne-Deutz
Kennedy-Ufer 2, 50679 Cologne

11 December 2025 – 15 March 2026
Open daily, Monday to Sunday, 10 am–6 pm
Free admission

Events (in German only)
Individual tours at: museenkoeln.de

Öffentliche Führung des Museumsdienstes Köln
Sa., 21. Februar 2026, 14 Uhr

Kuratorenführung – Mit Dr. Mario Kramp durch die Ausstellung
Do., 26. Februar 2026, 18 Uhr

Senior*innenführung des Museumsdienstes Köln
Sa., 7. März 2026, 14 Uhr

[1] https://www.koelnisches-stadtmuseum.de/en/special-exhibition/

Virtuelle Räume, reale Wahrnehmung

Die gezeigten Arbeiten durchqueren unterschiedliche Aggregatszustände der Designforschung und kommen in unterschiedlichen Medienformaten daher (objekthaft, textlich/sprachlich, virtuell, interaktiv, audio-/visuell, performativ). So zum Beispiel die Diplomarbeit von Lennard Ludig („Die konstruierte Präsenz – Analyse gestalterischer Strategien in sozialen VR“). Ludig entwickelt darin eine differenzierte Phänomenologie sozialer und immersiver Virtual-Reality-Umgebungen. Seine Arbeit überzeugt in zweifacher Hinsicht: Zum einen gelingt es ihm, auch ungeübte Leser:innen in die untersuchten digitalen Räume hineinzuziehen und deren Atmosphären, Interaktionsformen und ästhetische Strategien anschaulich erfahrbar zu machen. Zum anderen gleicht er seine Beobachtungen systematisch mit raumtheoretischen Konzepten von Jan Gehl, Marc Augé, Lucius Burckhardt und anderen ab.

Begriffe wie der Nicht-Ort, der Transit-Ort, die Heterotopie oder die Lobby als Agora werden auf soziale VR-Plattformen übertragen und kritisch befragt. Dabei zeigt sich, dass manche dieser Konzepte überraschend tragfähig sind, während andere an ihre Grenzen stoßen. Besonders aufschlussreich wird die Analyse dort, wo Ludig Aspekte der Körperlichkeit einbezieht und mit Sherry Turkles Überlegungen zu digitalen Identitätsentwürfen verbindet. Die performative Vielheit von Avataren und Selbstbildern erscheint als Signatur eines postmodernen Lebens, in dem Identität fluide und situativ wird. Überzeugend ist auch die Gegenüberstellung unterschiedlicher Bild- und Raumstrategien – zwischen Realismus beziehungsweise Mimesis und bewusst ästhetischer Konstruktion. Ludig veranschaulicht eindrücklich, dass der Begriff des Realismus im VR-Kontext ambivalent ist, da selbst physikalisch unmögliche Umgebungen als real verarbeitet werden können, sofern sie in sich kohärent gestaltet sind.

Urbane Analysen und gesellschaftliche Bildpolitiken

Eine weitere Auswahl an Abschlussarbeiten im Lehrgebiet zeichnen sich durch analytische Tiefe aus. Marie-Josephine Pavesi legt mit „Spielplätze in Paris und Berlin“ eine detailreiche Vergleichsanalyse vor, aus der sich vielfältige Rückschlüsse auf pädagogische Modelle, Regelwerke und Konzepte von Offenheit ableiten lassen. Besonders spannend ist ihre Beobachtung, dass bestimmte Ästhetiken und Formsprachen von Spielplätzen weniger aus autonomen Gestaltungsentscheidungen entstehen, sondern häufig Ergebnis normativer Vorgaben und sicherheitslogischer Rahmenbedingungen sind.

Sophie Mosdell untersucht in ihrer Master Thesis „Material als Marke“, wie Materialität selbst zur identitätsstiftenden Größe wird und Markenkommunikation prägt. Carola Schulz widmet sich in ihrer Diplomarbeit „Urbane Utopien – wie transformiert sich urbaner Raum am Beispiel Kranichstein“ den Dynamiken städtischer Transformation zwischen Vision und gelebter Realität. Svea Marlen Rauch analysiert in „Ein verzerrtes Bild – Antisemitismus in digitalen Bildkulturen“ die Persistenz antisemitischer Stereotype und ihre visuellen Strategien im digitalen Raum. Mi Düver fragt in „Artefakte in Transition“ nach Objekten im Übergang und nach Bedeutungsverschiebungen in gesellschaftlichen, insbesondere geschlechtlichen Transformationsprozessen.

Ein zentrales Exponat bildet die interaktive Installation „Intelligence in the Fog“ von Konrad Kebbel. Die Arbeit reflektiert unser Verhältnis zur Künstlichen Intelligenz und stellt die Frage, ob wir technischen Systemen mehr Intelligenz zuschreiben, als sie tatsächlich besitzen. Das scheinbare Gegenüber bleibt undurchsichtig; sein Innenleben entzieht sich der Zuschreibung. Gerade diese Unbestimmtheit macht die Projektionen sichtbar, mit denen wir KI aufladen.

Design und Sprache: Transparent und Veränderbar

Großen Raum in beiden Räumen nimmt das Projekt „Design und& Sprache“ ein, geleitet von Prof. Dr. Tom Bieling und M.A. Jonathan Kuhlmann, gemeinsam mit M.A. Susanne Wieland und Dipl. Des. Amelie Mattas. Im ersten Semester des Studiengangs Design werden zwei jeweils sechswöchige Workshops durchgeführt, die das Bewusstsein für die subtile Wirkung von Gestaltung schärfen. Die Studierenden setzen sich mit den Begriffen „transparent“ und „veränderbar“ auseinander und entwickeln eigenständige Zugänge, die in rund 60 Projekten sichtbar werden.

Der Begriff „transparent“ wird in seiner Vielschichtigkeit ausgelotet – als Zustand, Haltung, Beziehung, räumliche Qualität oder soziale Praxis. Die daraus hervorgegangenen Arbeiten hinterfragen gewohnte Sichtweisen, beziehen Nutzer:innen aktiv ein und verschieben Maßstäbe und Funktionen. In diesem Zusammenhang entstehen unter anderem visuelle Stadtanalysen zum Thema Transparenz: Fuheng Nan und Jean-Luc Klaucken untersuchen Räume, Luke Klemann analysiert Prozesse, Arnold Schmidgen und Lorenz Recken widmen sich typografischen Dimensionen, Ricarda Heurer und Sarah Rohde erforschen Zeichen, Mykhailo Slukin und Sofia Gal nehmen Werbung in den Blick, während Anna Dristos und David Untermann architektonische Aspekte analysieren.

Der Begriff „veränderbar“ rückt Transformation als Kernkompetenz des Designs ins Zentrum. Objekte ändern sich, Module werden ausgetauscht, Systeme hinterfragt. Veränderung betrifft dabei nicht nur physische Artefakte, sondern auch Wahrnehmung, Haltung und Selbstverständnis. Filmische Arbeiten vertiefen diese Auseinandersetzung: Lukas Gall reflektiert in „Urban Changes“ urbane Transformationsprozesse, Fionn Husemann und Anton Birke zeigen in „Anton arbeitet“ Verschiebungen im Arbeitsalltag, Xenia Christoph untersucht in „Papier“ Material und Prozess, Franka Bahlke thematisiert den „Arbeitsprozess“, Konrad Kebbel widmet sich einer „Reflektion Veränderbarkeit“ und Yasmine BenMoussa nähert sich in „The Quiet Change“ leisen, kaum wahrnehmbaren Transformationen.

Poster: Carlotta Hick

Effizienz der Ineffizienz

Mit dem Seminar/Projekt „Effizienz der Ineffizienz“ wird ein bewusstes Gegengewicht zur Logik von Optimierung, Beschleunigung und Verwertbarkeit gesetzt. Ausgehend von Theorien der Rationalisierung bei Max Weber, von Kritiken des Effizienzdenkens bei Hartmut Rosa und Byung-Chul Han sowie von Gegenmodellen bei Georges Bataille und Ivan Illich wird Ineffizienz nicht als Defizit, sondern als produktive Ressource verstanden. Sie kann Freiräume eröffnen, Routinen irritieren und neue Perspektiven ermöglichen.

Roman Jakowlew zeigt mit „Hug.“ ein Objekt, das um den Kopf gelegt wird, sanften Druck ausübt, visuell und akustisch abschirmt und als stilles Angebot zum Innehalten dient. Emil Navid Kirchgessner entwickelt mit „Lock & Walk“ eine Box, die das Smartphone einschließt und eine zufällige Route ausdruckt – ein Impuls zu mehr Achtsamkeit und zur bewussten Erfahrung der Umgebung. Samuel Schön versteht „[Not Just] Another Brick in the Wall“ als skulpturalen Widerstand gegen soziale Isolation und als Rückführung des Smartphones zum Werkzeug realer Begegnung. Lotte Landgraf thematisiert in „Memento Somni“ Schlaf als verdrängtes Grundbedürfnis in einer leistungsorientierten Gesellschaft. Außerdem zu sehen: die „Pausenuhr“ von Jonas Giese und die achtsame Kalender-App „ANTIAGENDA“ von Anna Kurfiß.

Design als Gemeinschaft und Debatte

Weitere gezeigte Seminare wie „Im Auge des Sturms – Wellenbewegungen des öko-sozialen Wandels im Design“, „Design und Gemeinschaft“ oder „Pro und Contra – Design als Debatte“ verdeutlichen, dass Gestaltung hier als historisch eingebettete, gemeinschaftsstiftende und diskursive Praxis verstanden wird. Design schafft Begegnungen oder verhindert sie, stiftet Identität oder grenzt aus, formuliert Argumente und provoziert Widerspruch.

In diesem Zusammenhang wird auch das kürzlich noch im Frankfurter Museum für Angewandte Kunst gezeigte Projekt „SPEAK UP“ zu sehen sein (Paul Berger, Devin Can, Hannah Heruday, Clara Maldener, David Martin Maurer-Laube, Zachary Mentzons, Mia Schreiber, Simon Schmidt-Meinzer, Susanne Wieland, Tom Bieling (Supervision)). SPEAK UP versteht sich als erste mobile Speakers’ Corner der Welt. Flexibel einsetzbar auf Plätzen, in Parks, auf Schulhöfen oder bei Demonstrationen, bringt sie das Prinzip freier Rede dorthin, wo Menschen sind und wo Diskurs abagehanden gekommen scheint. Demokratie braucht Raum – und mit SPEAK UP wird dieser Raum beweglich.

On Monday, 9th February, Nicholas Conrad’s talk at HfG Offenbach traces the emergence and long-term development of material culture, from the earliest evidence of systematic tool production around 3.3 million years ago to the present. A central question is when humans first acquired abilities that can be described as intellectual, creative, and symbolic in a modern sense. To address this, the lecture examines the technologies and symbolic practices of late archaic humans and the first anatomically modern humans who migrated out of Africa and spread across Eurasia.

Special attention is given to the innovative tools, figurative artworks, and musical instruments dating to around 40,000 years ago that were discovered in caves of the Swabian Jura in southern Germany. Based on these finds and their archaeological contexts, the talk explores where, when, and why figurative art, music, and religious behavior emerged. The evidence suggests that by at least 40,000 years ago, humans were already as creative and artistically capable as people today.

Poster: Johanna Siebein

About the speaker

Nicholas Conard is an American archaeologist and one of the leading scholars in the study of the origins of human culture, art, and symbolic behavior. He is Professor of Early Prehistory and Quaternary Ecology at the University of Tübingen and has conducted research in Europe, Africa, and the Near East. Over several decades, he has played a central role in establishing the Swabian Jura as a key region for understanding early modern human creativity.

Conard has directed excavations at internationally significant Paleolithic sites such as Hohle Fels, Vogelherd, and Geißenklösterle. His work includes the discovery and analysis of some of the world’s oldest known figurative artworks carved from mammoth ivory, as well as the earliest known musical instruments, including bone and ivory flutes. These findings have had a lasting impact on debates about the emergence of symbolic thinking, art, music, and religion in early Homo sapiens.

His research emphasizes the close interdependence of technology, social organization, and symbolic expression, arguing that art and music were not marginal phenomena but central elements of early human societies. Several of the sites associated with his work are now part of the UNESCO World Heritage “Caves and Ice Age Art of the Swabian Jura.”

About the Monday Talks

With the “Monday Talks” series, the Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach invites inspiring figures from art, design, and related disciplines. The series aims to connect design with broader social, cultural, and historical perspectives. All interested members of the public are warmly invited.

9 February 2026, at 6:00 pm at

HfG Aula
Main Building, 1st Floor
Schlossstraße 31
Offenbach
Germany

Ausgangspunkt des bei Mimesis International erschienen Buches ist die Beobachtung, dass urbane Versiegelung zunehmend durch spontane Degradationsprozesse oder gezielte Desealing-Interventionen aufgebrochen wird. Bortolotti und Geroldi fragen, welche Entwurfsstrategien geeignet sind, diese „mineralische Kruste“ so zu transformieren, dass ökologische Funktionen reaktiviert, neue räumliche Qualitäten geschaffen und Materialkreisläufe vor Ort geschlossen werden können. Besonders überzeugend ist dabei der Ansatz, Abbruchmaterialien – Beton, Asphalt, Zuschläge – nicht als Abfall, sondern als gestalterische Ressource zu begreifen.

Theoretisch verankert ist das Buch in einem erweiterten Verständnis von „open ground“. Angelehnt an bodenwissenschaftliche Konzepte des „open soil gradient“ interpretieren die Autor:innen Offenheit nicht nur als physische Durchlässigkeit, sondern als Fähigkeit des Bodens, Austauschprozesse zwischen Atmosphäre, Untergrund, Grundwasser und biologischen Akteuren zu ermöglichen. Diese Perspektive verbindet aktuelle Debatten der urbanen Ökologie mit Landschaftsarchitektur, Architektur und Städtebau und knüpft an Forschungen zu spontaner urbaner Natur an, wie sie etwa von Matthew Gandy beschrieben wurden.

Einen zentralen Bestandteil des Buches bildet die Dokumentation der interdisziplinären Summer School in Porto di Mare, einem ehemaligen Industrie- und Gewerbegebiet im Südosten Mailands. Eingebettet in europäische Forschungszusammenhänge (u. a. IDEA League, Horizon Europe) wird hier Entsiegelung als „research by design“ erprobt. Besonders hervorzuheben ist der kollaborative Ansatz, der Studierende und Forschende aus Landschaftsarchitektur, Architektur, Stadtplanung, Umwelttechnik, Geologie und Informatik zusammenbringt. Diese Vielstimmigkeit prägt nicht nur die Projekte, sondern auch den argumentativen Aufbau des Buches.

Strukturiert entlang der drei miteinander verflochtenen Entwurfsdimensionen „designing with materials“, „designing with soil“ und „designing with ecosystems“ zeigt Open Ground, wie eng materielle, topografische und ökologische Entscheidungen miteinander verbunden sind. Die vorgestellten studentischen Projekte – von gezielten Schnitten in Asphaltflächen über Materiallager und Schuttmounds bis hin zu multispezies-orientierten Habitaten und sensorgestützten Lernlandschaften – verdeutlichen, dass die Art und Weise des Aufbrechens versiegelter Flächen maßgeblich die zukünftigen Nutzungs- und Entwicklungsoptionen bestimmt.

Besonders stark ist das Buch dort, wo es die ästhetische Dimension der Entsiegelung ernst nimmt. Die Autor:innen argumentieren überzeugend, dass Schnitte, Brüche, Risse und Materialumlagerungen nicht bloß technische Vorgänge sind, sondern neue Formen urbaner Landschaft hervorbringen können – zwischen kontrollierter Gestaltung und bewusster Offenheit für spontane ökologische Prozesse. Referenzen zu realisierten Projekten internationaler Büros wie D.I.R.T. Studio, Wagon Landscaping, GTL Landschaftsarchitektur oder Openfabric erweitern den Blick über den akademischen Kontext hinaus und verorten die Forschung klar in der Praxis.

Der Projektteil versammelt konkrete Entwurfsansätze zu Materialien, Boden und Ökosystemen – etwa Cuts & Cracks, Circul(Art), Ground to Mound oder Eco-Dwellings – und zeigt, wie Entsiegelung und regenerative Strategien praktisch umgesetzt werden können. Abschließend ordnen Cecilia Furlan und Francesca Rizzetto die Arbeiten theoretisch im Kontext von regenerativem Design.

Kritisch ließe sich anmerken, dass die im Buch gezeigten Ansätze teilweise stark kontextgebunden sind und ihre Übertragbarkeit auf andere regulatorische oder kontaminationsbezogene Rahmenbedingungen nicht immer vollständig diskutiert wird. Gleichzeitig liegt gerade hierin eine der Stärken der Publikation: Sie plädiert für orts- und situationsspezifische Strategien statt für universelle Rezepte.

Das als Open Access erhältliche Buch kann somit als ein wichtiger Beitrag zur aktuellen Debatte um Bodenschutz, Kreislaufwirtschaft und urbane Biodiversität gewertet werden. Es richtet sich dabei nicht nur an Landschaftsarchitekt:innen und Architekt:innen, sondern auch an Planer:innen, Stadtverwaltungen und Forschende, die Entsiegelung als gestalterisches, politisches und ökologisches Handlungsfeld begreifen wollen. Es macht deutlich, dass die Frage, wie wir entsiegeln, ebenso entscheidend ist wie die Tatsache, dass wir es tun.

–> Download Open Access PDF

Andrea Bortolotti, Chiara Geroldi & Cecilia Furlan (Eds.) (2025):
Open Ground – Depaving Urban Surfaces
Milano: Mimesis International
ISBN: 978-88-6977-506-2
https://mimesisinternational.com/

Matter Of was founded in 2019 by Adrian Riemann, Fabian Schewe, Marian Rupp (PhD candidate at HfG Offenbach), and Marcel Mendler, and is based in Stuttgart. Matter Of collaborates with art institutions such as the German Pavilion at the Venice Biennale, ZKM Karlsruhe, and Kunsthalle Baden-Baden, as well as with the furniture manufacturer Thonet, the record label Juliet Records, the film production company new–land, and publishers including Distanz, Hatje Cantz, and Spector Books.

The talk will take place at HfG Offenbach on 3 February 2026 at 6:00 pm in Room D301, West Wing, 3rd floor. The event is open to all interested attendees.

Ausgangspunkt der Veranstaltung war weniger die Frage nach konkreten Tools als vielmehr nach Haltungen, Verantwortlichkeiten und Verschiebungen gestalterischer, didaktischer und institutioneller Rollen. Was bedeutet KI für Entwurfsprozesse? Wie verändert sich Autor:innenschaft? Welche Kompetenzen müssen Hochschulen künftig vermitteln – und wie lässt sich Lehre in einem zunehmend sozio-technischen Gefüge neu denken? In diesem Spannungsfeld positionierte sich die Veranstaltung bewusst jenseits von Technikoptimismus und Technikpessimismus: nicht bewertend, sondern fragend, kontextualisierend und diskursöffnend.

Den inhaltlichen Auftakt des Symposiums bildete der Beitrag von Dr. Aljoscha Burchardt (DFKI), der krankheitsbedingt nicht vor Ort sein konnte und seinen Vortrag vorab aufgezeichnet hatte. Burchardt näherte sich dem Thema KI nicht über einzelne Anwendungen oder Werkzeuge, sondern über ethische Leitfragen, die den Umgang mit KI-Systemen in Gestaltung und Lehre rahmen. Im Zentrum stand dabei die Frage, wie wir mit KI arbeiten wollen – und unter welchen normativen Voraussetzungen. Studierende und Lehrende seien nicht als passive Anwender:innen zu verstehen, sondern als aktive Akteur:innen, die Gestaltungsentscheidungen auch auf der Ebene von Systemen, Daten und Rahmenbedingungen treffen. KI erschien hier weniger als fertiges Werkzeug denn als gestaltbares Gefüge, dessen Ausrichtung, Nutzung und Bedeutung wesentlich von den Haltungen der Beteiligten abhängt.

Im Anschluss widmete sich Prof. Stefan Wölwer (HAWK Hildesheim) den strukturellen und gestalterischen Dimensionen von KI-Systemen. Sein Vortrag rückte die Frage in den Fokus, welche Infrastrukturen Hochschulen benötigen, um mit KI nicht nur zu experimentieren, sondern sie auch kritisch und souverän einsetzen zu können. Ausgangspunkt war das von ihm mitentwickelte Open-Source-Projekt HAWKI, ein alternatives KI-Ökosystem für den Hochschulbetrieb. Wölwer zeigte, dass der Zugang zu KI nicht zwangsläufig über proprietäre Plattformen und intransparente Interfaces erfolgen muss. Stattdessen eröffnen offene Systeme die Möglichkeit, KI als gestaltbaren Bestandteil von Lehre und Forschung zu begreifen. Der Vortrag machte deutlich, dass sich hier klassische Fragen des Interaction Designs mit hochschulpolitischen und ethischen Fragen verschränken. Wer kontrolliert die Systeme? Wer definiert ihre Logiken? Und welche gestalterischen Freiräume entstehen, wenn Hochschulen selbst Verantwortung für ihre digitalen Werkzeuge übernehmen? Wölwers Beitrag zeigte exemplarisch, wie Gestaltung, Technik und institutionelle Praxis zusammengeführt werden können.

Mit Natalie Wilke, Medienkünstlerin und künstlerische Mitarbeiterin im Lehrgebiet Elektronische Medien an der HfG Offenbach, wurde eine Perspektive eingebracht, die unmittelbar aus der täglichen Lehrpraxis an einer Kunsthochschule heraus argumentiert. Ihr Beitrag verband künstlerische Positionen mit Beobachtungen aus der Arbeit mit Studierenden und zeichnete so ein vielschichtiges Bild aktueller KI-Praktiken. Anhand konkreter studentischer Projekte beschrieb Wilke eine deutliche Verschiebung im Umgang mit generativen KI-Systemen: weg von einer auf Ergebnisse fixierten Nutzung hin zu einer prozess- und input-orientierten Auseinandersetzung. Besonderes Augenmerk legte sie auf das Phänomen des AI Punk – eine bewusste ästhetische und konzeptuelle Gegenbewegung zur glatten, hyperrealistischen KI-Bildproduktion. Fehler und Brüche (Glitches) wurden hier nicht als Mängel, sondern als produktive Strategien verstanden.

Den Abschluss des Vortragsprogramms bildete Prof. Dr. Jens Schröter (Universität Bonn), der eine medienwissenschaftliche und bildhistorische Perspektive auf KI-generierte Bilder einnahm. Ausgangspunkt war die Beobachtung, dass viele aktuelle KI-Bilder fotografisch wirken, ohne fotografisch im klassischen Sinne zu sein. Schröter ordnete diese Bildpraxis unter dem Begriff der „promptografischen Ästhetik“ ein. Statt KI-Bilder als radikal neues Phänomen zu behandeln, verortete er sie innerhalb einer längeren Geschichte computergenerierter Bilder und medialer Simulationen. Diese historische Tiefenschärfe ermöglichte es, gegenwärtige Entwicklungen differenzierter zu betrachten und sie als Verschiebung bestehender Bildlogiken zu verstehen, nicht als deren Ablösung. Im weiteren Verlauf rückte Schröter künstlerische Positionen in den Fokus, die mit textbasierten Prompts arbeiten und dabei neue Formen gestalterischer Entscheidung erproben.

Die Vorträge mündeten in eine offene Gesprächsrunde, die den dialogischen Anspruch der Veranstaltung einlöste. Studierende und Lehrende brachten eigene Erfahrungen, Fragen und Positionen ein und machten deutlich, wie unterschiedlich KI im Alltag der Hochschule bereits verankert ist. Fragen nach Autor:innenschaft, Intention und Kontrolle wurden dabei unterschiedlich verhandelt: Wer „macht“ das Bild, wenn Gestaltung primär über Sprache vermittelt wird? Und wie verändert sich ästhetische Verantwortung in solchen Prozessen? Der Fokus, so wurde abermals deutlich, verlagert sich dabei von der Frage „Was erzeugt die KI?“ hin zu „Wie gestalte ich die Bedingungen, unter denen etwas entsteht?“.

Was als abschließende Gesprächsrunde geplant war, setzte sich – unmittelbar nach der Verabschiedung, in unveränderter Konstellation – nahezu nahtlos fort. Stühle wurden gerückt, Argumente wurden erneut aufgegriffen, widersprochen, weitergeführt. Die Veranstaltung verlängerte sich auf diese Weise um weitere 45 Minuten, ohne dass dies noch einer Moderation bedurft hätte. Es zeigte sich, wie schwer die verhandelten Fragen mitunter im Modus einer schnellen Positionierung zu beantworten sind. KI wurde hier weder allein als Tool noch als abstrakte Bedrohung diskutiert, sondern als konkrete Herausforderung für institutionelle Routinen, ästhetische Urteilsbildung und didaktische Selbstverständlichkeiten. Die Offenheit des Formats – keine Podiumshierarchie, keine abschließenden Statements – erwies sich dabei als produktiv: Der Diskurs blieb in Bewegung.

Inhaltlich wurde die Diskussion durch zahlreiche Wortmeldungen aus dem Publikum getragen, die das thematische Spektrum noch einmal deutlich erweiterten. Beiträge von Prof. Dr. Christian Janecke (Kunstgeschichte) rückten Fragen kunsthistorischer Einordnung und Bewertungsmaßstäbe in den Fokus, während Prof. Alex Oppermann (Elektronische Medien) die experimentellen Bedingungen der Kunsthochschule als institutionellen Rahmen reflektierte. Prof. Dr. Marie-Hélène Gutberlet (Film), Leon-Etienne Kühr aus dem KI Lab sowie Zachary Mentzos (HfG) thematisierten technische, praktische und ästhetische Erfahrungen aus der Arbeit mit KI-Systemen ebenso wie die Rolle von Unternehmen, damit einhergehende Machtgefüge, sowie Fragen nach Dateinhoheit, Originalität und Kopismus

Einer von vielen Diskussionspunkten entbrannte dabei um folgenden Sachverhalt: Vor dem Hintergrund, dass künstlerische Werke mitunter wesentlich durch die individuelle Handschrift ihrer Urheber:innen bestimmt werden, unterminiert die Einbeziehung von KI, die diese subjektive Dimension nicht gänzlich zu vermitteln im Stande ist, womöglich den künstlerischen Ausdruck. Die Reproduktion oder Mitwirkung durch KI erscheine dabei, so Mentzos, problematisch, da diese die spezifische, subjektive Perspektive mutmaßlich nicht adäquat abbildet und dadurch die Position des Künstlers / der Künstlerin im Diskurs potenziell schwäche.

Dass einige Gäste eigens aus Kaiserslautern und Stuttgart angereist waren, zeugte davon, wie siehr sich das Symposium weniger als abgeschlossene Veranstaltung denn als Einsatzpunkt eines fortlaufenden Diskurses begreifen lassen muss. Dass die Diskussion über das geplante Ende hinaus weiterging, war in diesem Sinne kein organisatorischer Zufall, sondern Ausdruck eines Bedarfs: nach Austausch, nach Einordnung – und nach Räumen, in denen KI nicht vorschnell vereindeutigt wird, sondern als das verhandelt werden kann, was sie derzeit ist: ein offenes, widersprüchliches (Gestaltungs-)Feld.

Tom Bieling **

Stefan Wölwer **

Natalie Wilke **

Jens Schröter **

Jens Schröter *

Fotos: * Tom Bieling, ** Susanne Wieland
Plakat: Susanne Wieland

Historically, typography emerged from tangible substances. Wood and metal were not merely neutral carriers of form; they shaped what letters could be. The resistance of material influenced proportion, detail, and reproducibility. Meaning was never detached from matter—it was produced through it. “Matters of Type” (Matéria do Tipo), edited by Sara Velez, Luís Frias and Joana Casteleiro-Pitrez revisits this lineage not nostalgically, but critically, asking what “substance” means in a time when typographic forms are generated, transformed, and distributed digitally.

Between Analog and Digital

One of the central threads running through the publication is the renewed interest in traditional practices. Letterpress, hand lettering, and other analog processes have re-entered contemporary design discourse—not as a rejection of the digital, but as a dialogue with it. Typography today operates in hybrid zones: printed matter informed by algorithms, digital interfaces referencing craft, physical spaces animated by projection and augmented layers.

In this expanded field, “matter” becomes a lens through which to question current practice. If matter is the formless mass awaiting form, what constitutes that mass in digital typography? Is it data? Is it the interface? Is it the cultural and social context in which type operates? The metaphor stretches productively, encouraging us to see typography not as fixed shapes but as processes—flows between tools, platforms, and environments.

Metamorphoses of Form

The idea of matter as ductile and transformable opens another dimension: metamorphosis. Typography today mutates across media—static text becomes motion graphics, print becomes interactive surface, signage becomes immersive environment. The same conceptual “matter” may crystallize as a poster, an app interface, or a spatial installation.

These transformations are not merely aesthetic. They alter how we read, navigate, and understand the world. Typography no longer sits quietly on a page; it moves, responds, and performs. Its materiality shifts accordingly—from ink absorbed by paper fibers to pixels activated by touch. Each transformation redefines what counts as presence, permanence, and authorship.

Tangibility and Experience

If matter refers to what is tangible, typography participates directly in shaping lived experience. Street signage structures movement through cities. Interface typography organizes access to information. Editorial design frames interpretation. In each case, typography becomes part of the material fabric of everyday life.

The book emphasizes that media themselves are part of typography’s matter. The choice of surface, device, or platform is not secondary—it conditions meaning. A message engraved in stone carries a different temporal and symbolic weight than one displayed on a fleeting social media feed. Matter, in this sense, is contextual: it includes the technological, spatial, and cultural environments in which letters operate.

Political, Social, and Environmental Dimensions

Perhaps most compelling is the broader framework the publication proposes. Materiality is never neutral. The infrastructures that sustain digital typography have ecological footprints. The revival of craft traditions intersects with questions of labor and authorship. Design decisions reflect—and shape—social and political realities.

By weaving together historical, cultural, environmental, and political perspectives, Matter of Type positions typography as an active agent rather than a passive medium. The “web of matter” is not only about substances and tools, but about power, access, sustainability, and collective memory.

Why This Book Matters

Matter of Type does not offer a single definition of materiality. Instead, it opens a field of inquiry. It invites designers, typographers, and researchers to reconsider what they work with when they work with type. Not just shapes and fonts—but infrastructures, contexts, histories, and consequences.

When digital forms seem increasingly detached from physical reality, the book insists on reconnecting typography to its material ground. It challenges us to see that even the most ephemeral letterform is anchored in matter—and that through this matter, typography continues to shape how we inhabit the world.

–> Download (Proceedings of the 12th Typography Meeting)

Im Rahmen des World Design Capital 2026 planen das Klingspor Museum und das Haus der Stadtgeschichte
Offenbach Kunstwerke und Designobjekte an Orten der Demokratie in Offenbach zu verorten. Diese sollen in Tandems aus je einer Künstler:in und einer Gestalter:in entstehen.

Am 28.05.2026 sollen sie im Rahmen eines Eröffnungswalks in der Stadt präsentiert werden. Auf weiteren Stadtführungen in Verbindungen mit Workshops und Talks soll die Aufmerksamkeit für die Kunstwerke und das Konzept Demokratie erhöht – und somit: die Demokratie in Offenbach gestärkt werden.

Projektvorschläge können bis zum 16. Februar 2026 per Mail bei Monika.Jaeger@Offenbach.de und Astrid.Jaeger@Offenbach.de eingereicht werden. Wichtig ist, dass man sich vorstellen kann, mit einer Person zusammen zu arbeiten und Dinge gemeinsam weiterzuentwickeln. Die Arbeiten sollten politisch und religiös neutral sein und – selbstredend – dem demokratischen Sinn entsprechen.

Für ausgewählte Arbeiten kann ein Honorar i.H.v. 950,00 € (brutto) pro Person und max. 500,00 € (brutto) Materialkosten pro Arbeit zur Verfügung gestellt werden (nach Vorlage von Quittungsbelegen).

Nach dem 16.02.2026 werden Einreichungen gesichtet, auf die Umsetzbarkeit im öffentlichen Raum in Rücksprache mit dem Ordnungsamt Offenbach geprüft und mit den ausgewählten Künstler:innen und Gestalter:innen Kontakt aufgenommen.

In den Stadtführungen werden die Orte nicht nur auf historischer Ebene vorgestellt, sondern auch unter diesen gestalterischen Aspekten untersucht. Die Stadtführung sowie die Workshopergebnisse und Objekte bleiben über das Projekt hinaus bestehen. Die Museumsmitarbeitenden verstetigen Stadtführungen und Workshops über das Jahr 2026 hinaus. Kunstwerke werden anhand von Reproduktionen oder in den Sammlungen verbleibenden Originalen präsentiert und diskutiert.

Places of Democracy ist ein Gemeinschaftsprojekt zwischen dem Klingspor Museums und dem Haus der Stadtgeschichte Offenbach. Für das Sommersemester 2026 ist eine Kollaboration mit dem Lehrgebiet Designtheorie der HfG Offenbach vorgesehen.

Eine Veranstaltung im Rahmen der WDC 2026

Die Hochschule für Gestaltung Offenbach (HfG) ist eine Kunsthochschule des Landes Hessen mit künstlerisch-wissenschaftlicher Ausrichtung im Universitätsrang mit Promotionsrecht. Rund 800 Studierende sind an den Fachbereichen Kunst und Design in Bachelor-, Master- und Diplomstudiengängen eingeschrieben. Sie werden von rund 170 Mitarbeiter_innen betreut.

Die HfG versteht sich als ein Ort der Freiheit, als ein Raum für die Entwicklung kritischer Fragen und innovativer Ideen, als ein Labor für die Gestaltung der Gesellschaft mithilfe von Kunst, Design und Wissenschaft. Ziel der HfG ist es, Künstlerinnen und Künstler und Designerinnen und Designer auszubilden, die den Anforderungen einer im ständigen Umbruch befindlichen Landschaft von Tätigkeitsfeldern gewachsen sind und darüber hinaus selber neue Perspektiven und Interventionsmöglichkeiten erschließen. Alleinstellungsmerkmal ist, dass die Profilbildung in Lehre und Forschung in Wechselwirkung zwischen Theorie und Praxis lehrgebiets- und fachbereichsübergreifend stattfindet.

In der Stadt Offenbach wirkt die HfG als aktiver Bestandteil urbaner und regionaler Transformation mit. Die Stadt, einst Standort industrieller Produktion, ist heute geprägt von kultureller Diversität und einer starken Gründungsdynamik. Sie bietet der Hochschule ein Umfeld, in dem sich Kooperationen mit der Stadtgesellschaft, mit Institutionen und mit regionalen Entwicklungsakteuren wechselseitig befruchten.

Zum nächstmöglichen Zeitpunkt ist an der Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main die Stelle der Präsidentin/des Präsidenten (m/w/d) in der Regel im Beamtenverhältnis auf Zeit (WL2 HBesG) zu besetzen.

Die Präsidentin/der Präsident vertritt und leitet gemeinsam mit dem Präsidium die Kunsthochschule und fördert zusammen mit allen anderen Organen ihre eigenständige Entwicklung.

Die HfG sucht eine qualifizierte, engagierte Persönlichkeit, die die Hochschule für Gestaltung Offenbach im Hinblick auf die anstehenden Herausforderungen der Konsolidierung, des Neubaus und ihren entsprechenden Veränderungs- und Transformationsprozessen begleiten und weiterentwickeln kann.

Sie sollten institutionelle Erfahrungen im Hochschulbetrieb und Führungskompetenz nachweisen können und ein Verständnis für die Aufgaben und Fragestellungen einer Hochschule für Gestaltung in ihren Ausrichtungen Kunst und Design, respektive ihren Wissenschaften, haben.

Sie sind eine integrative Persönlichkeit und gestalten, kommunizieren und moderieren Veränderungsprozesse partizipativ und nachhaltig. Ihr offener, transparenter und respektvoller Führungsstil fördert ein produktives Arbeitsklima.

Sie sind in der Lage, die bestmöglichen Voraussetzungen für Lehre und Forschung im übergreifenden und fächerspezifischen Sinne – unter anderem durch Einwerbung von externen Mitteln – zu schaffen, schärfen das Profil der HfG national wie international und eröffnen damit neue Optionen für Vernetzung und Zusammenarbeit.

Sie können die Hochschule gegenüber den politischen Akteuren kommunikativ, durchsetzungsfähig und verhandlungssicher vertreten.

Sie sind eine Persönlichkeit, die die Gestaltungschancen der Hochschule mit ihren Ausrichtungen Kunst und Design ebenso wie die des Neubaus im Kontext der Offenbacher Stadt- und Kulturentwicklung strategisch und inhaltlich vorantreiben kann.

Sie stehen für einen offenen und sensiblen Umgang mit Diversitäts- und Gleichstellungsthemen sowie Fragen der Nachhaltigkeit. Weitere Themenfelder sind die gesellschaftlichen Herausforderungen, wie etwa der Künstlichen Intelligenz, die Sie kritisch und spezifisch für die HfG mitdenken und gestalten.

Zur Präsidentin/zum Präsidenten kann gewählt werden, wer eine abgeschlossene Hochschulausbildung besitzt und aufgrund einer mehrjährigen verantwortlichen beruflichen Tätigkeit den Aufgaben des Amtes gewachsen ist. Die Amtszeit beträgt 6 Jahre. Eine Wiederwahl ist möglich.

Die Anhörungen finden voraussichtlich Mitte April 2026 statt.

Die HfG wertschätzt Vielfalt und begrüßt daher alle Bewerbungen – unabhängig von Geschlecht, Nationalität, ethnischer und sozialer Herkunft, Religion/Weltanschauung, Behinderung, Alter sowie sexueller Orientierung und Identität. Menschen mit Behinderungen im Sinne des § 2 Abs. 2 SGB IX werden bei gleicher Qualifikation bevorzugt berücksichtigt.

Die Hochschule für Gestaltung ist eine familiengerechte Hochschule, die für Chancengleichheit und Vereinbarkeit von Beruf und Familie eintritt; deshalb bitten wir qualifizierte Frauen ausdrücklich, sich zu bewerben.

Für Rückfragen steht Ihnen die Kanzlerin, Dr. Susanne Eickemeier, unter eickemeier@hfg-offenbach.de oder 069/80059 104 zur Verfügung. Die Hochschule freut sich auf Ihre Bewerbung mit aussagekräftigen Unterlagen und Dokumenten über das Onlineportal (hier) bis zum 06.02.2026.

Die Erfassung und Verarbeitung Ihrer personenbezogenen Daten zum Zwecke der Durchführung des Bewerbungsverfahrens erfolgt auf der Grundlage des § 23 des Hessischen Datenschutz- und Informationsfreiheitsgesetzes (HDSIG). Auskunft im Hinblick auf die Verarbeitung Ihrer personenbezogenen Daten gemäß Art. 13 der Verordnung (EU) 2016/679 des Europäischen Parlaments und des Rates vom 27. April 2016 (Datenschutz-Grundverordnung) erhalten Sie unter datenschutz@hfg-offenbach.de. Nach Abschluss des Verfahrens werden die personenbezogenen Daten datenschutzkonform gelöscht.

Weitere Infos:
https://hfg-offenbach.de/de/news/ausschreibung-praesident-in-1?type=news_archive#news

Against this backdrop, Civic City is hosting the 24-hour international conference “re_Design Democracies”, bringing together 96 voices from around the world to discuss the present and future relationship between design and democracy. The conference takes place across time zones and locations, with live studios in Frankfurt and Saint-Étienne, and is embedded in Civic City’s 8th Design Night, held on 24 and 25 January.

The programme begins on 24 January at 10 a.m. with a festival at the MAK in Frankfurt and simultaneously at design schools worldwide. This opening event presents the first contributions to the series “1000 Statements on Democracies”, featuring free, personal reflections on democracy by young authors, who will accompany and discuss their statements on site.

At 2 p.m., the 24-hour live broadcast “re_Design Democracies” begins. Over the course of a full day, each of the 96 invited speakers will be interviewed for 15 minutes by Ruedi and Vera Baur, Christopher Dell, and Danielle Rosales. Following the rhythm of global time zones, the broadcast amplifies perspectives from different cultural and political contexts, creating a continuous global conversation on the condition and future of democracy. The first hours will take place in publicly accessible studios at the MAK in Frankfurt and at the Cité du Design in Saint-Étienne. The entire broadcast can also be followed remotely.

On 25 January 2025 Tom Bieling will talk about “Exploring Open Dialogue Spaces as Tools for Democratic Community Empowerment.”, also presenting the project SPEAK UP, which responds directly to the shrinking number of spaces for public dialogue in contemporary democracies.

SPEAK UP

The starting point of SPEAK UP (Maurer-Laube/Mentzos/Bieling 2026) is political scientist Rainald Manthe’s thesis that democracy is increasingly losing places where societal dialogue can take place. In times of growing social tensions, visible and accessible spaces for exchange and disagreement are more necessary than ever. SPEAK UP is a mobile Speakers’ Corner—a symbol of free speech, public participation, and open exchange—that can be flexibly installed in a wide range of locations: public squares, parks, schoolyards, in front of city halls, or at demonstrations.

Inspired by the historical tradition of Speakers’ Corner, the project offers a low-threshold opportunity for people to take a public stand, listen to others, and engage in dialogue—regardless of background, education, or political views. By encouraging encounters between neighbours, schools, cultural initiatives, and civic organisations, SPEAK UP strengthens local connections and social cohesion through shared participation. The structure is easy to handle, quick to assemble and disassemble, yet robust enough for public use. It goes precisely where democratic dialogue is often missing—direct, approachable, and accessible.

As an open-source project, SPEAK UP makes its construction plans freely available. Anyone can build their own SPEAK UP for use in schools, community groups, cultural projects, neighbourhoods, or municipalities. In this way, the idea of lived democracy spreads tangibly through public spaces and everyday life.

With re_Design Democracies, Civic City creates a platform that does not merely analyse the crisis of democracy, but actively explores how design can contribute to renewing democratic practices—by shaping spaces, formats, and tools for dialogue, participation, and collective imagination. The format takes place in the context of WDC World Design Capital 2026, contributing to the broader international programme that explores how design can address societal challenges and strengthen democratic cultures. As part of WDC 2026, re_Design Democracies positions design as a critical practice for civic engagement, participation, and the renewal of democratic spaces.

The broadcast will be transmitted in the form of podcasts via:

1000 Declarations on Democracies
10:00 a.m. – 1:00 p.m. (Paris time)
https://youtube.com/live/5FTjs8p7LR0?feature=share

24h re_design democracies
January 24, 2:00 p.m. – 12:00 a.m. (Paris time)
https://youtube.com/live/F1j7ykOXJC0?feature=share

24h re_design democracies
January 25, 12:00 a.m. – 2:00 p.m. (Paris time)
https://youtube.com/live/DUInMR7a-y4?feature=share

Information and transcription:
https://civic-city.org/24hours

Programme

24.01.26 – 2:00–3:00 p.m.

Introduction from the studios in Saint-Étienne and Frankfurt

2:00 p.m. – Brief introduction to the ninth broadcast of “24 Hours Around the World”:
Civic City, Ruedi Baur, Vera Baur, Christopher Dell.

2:15 p.m. – Presentation of World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026:
Barbara Lersch, Program Director;
Kai Rosenstein, Director of Scenography;
Johannes Deuter, Head of Graphic Design, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt.

2:30 p.m. – Presentation of the Cité du Design, Saint-Étienne:
Éric Jourdan, Director of the Cité du Design and the School of Art and Design;
Aurélie Volz, Director of the Museum of Modern Art, Saint-Étienne.

2:45 p.m. – Introduction to the theme “Redesign Democracies”:
Civic City, Ruedi Baur, Vera Baur, Christopher Dell.

24.01.26 – 3:00–4:15 p.m.

Revisiting the historical foundations of democracy

If we affirm today that democracy originated in the Greek polis, to what extent did slavery— which was a prerequisite for its development—contribute to shaping part of our history, in ways that persist into our most extreme modernity?

3:00 p.m. – Paulin Ismard, historian specializing in ancient history. In 2021, he edited “The Worlds of Slavery: A Comparative History” (Éditions du Seuil).

Analysis of the global state of democracy

Driven by migration, demography, and the question of citizens’ political effectiveness, a renewed debate on the political influence of cities has recently emerged. What role does the territorial scale of governance play in the practice of democracy? What tensions arise when the nation-state exerts excessive power over local spaces?

3:15 p.m. – Benoît Vallauri, Director of Partnerships, Territories, and Innovation (DiPTI), National Center for Territorial Civil Service.
3:30 p.m. – Emanuel Grégoire, First Deputy Mayor of Paris.
3:45 p.m. – Jean Baudoin in discussion with the Mayor of Montreal or other mayors of major cities (to be confirmed).

24.01.26 – 4:15–4:45 p.m.

Shifts and turning points

If history does not repeat itself, it nevertheless seems essential to consider the past in order to understand and anticipate the present. During the darkest hours of the last century, what attitudes were adopted by institutional leaders, by creators, and by the avant-gardes? What shifts or turning points occurred?

4:15 p.m. – Xavier de Jarcy, journalist and author of “Le fascisme en col blanc” and “Le Corbusier: A French Fascism.”

All constitutions of modern democracies, deeply shaped by the issue of fundamental rights, rest upon elements of exclusion. They intrinsically define who holds rights and in what manner, and who is excluded as a subject of rights. What happens, then, when norms of rights and responsibilities—invoking, for example, the universality of human rights and capable of challenging topographical power—are themselves shaped by the configurations of that very power?

4:30 p.m. – Ranabir Samaddar, Indian political scientist, Chair in Migration and Forced Migration Studies at Mahanirban Calcutta; author of “The Materiality of Politics” (Anthem Press, 2007).

24.01.26 – 4:45–6:00 p.m.

Democracy, bodies, and health / Queer-feminist perspectives

4:45 p.m. – A discussion with Capucine Legelle, journalist and activist.

5:45 p.m. – Margarita Tsomou, Greek scholar based in Berlin, activist, dramaturg, moderator, and curator.

24.01.26 – 6:00–7:00 p.m.

Kuwait / Ukraine / Gaza / Venezuela / Taiwan / Greenland

On August 2, 1990, Iraqi troops entered Kuwaiti territory. On the same day, the United Nations adopted Resolution 660 condemning the invasion and demanding the withdrawal of these troops. On August 6, through Resolution 661, it decided to impose an embargo on Iraq…
The inviolability of territory is stated in Article 2 of the Charter of the United Nations, which requires States to “refrain (…) from the threat or use of force (…) against the territorial integrity.” A second principle, the non-recognition of the acquisition of territory by force, dates back to UN General Assembly Resolution 2625 (1970), which specifies that “no territorial acquisition resulting from the threat or use of force shall be recognized as legal.”
This reflects the ancient principle of Roman law ex injuria non oritur, meaning that an illegal acquisition cannot be legitimized.

6:00 p.m. – Philippe Rekacewicz, French cartographer, geographer, and information designer.
On the processes of map-making that contribute to the construction of a “national cartographic narrative.” Co-author of Radical Cartography: Explorations (Éditions La Découverte, 2021).

6:15 p.m. – Amélie Férey, researcher at the Center for Security Studies and Head of the Defense Research Laboratory (LRD). Author of Words as Weapons in a New War (Éditions Le Robert, 2024).

6:30 p.m. – Mohamed Harb, painter, Gaza;
Christine Breton, Honorary Heritage Curator. In collaboration with the Council of Europe, she has, since 1995, experimented with residents on an integrated approach to heritage in the 15th and 16th districts of Marseille. Her most recent book: But What Were They So Afraid Of? W. Benjamin, E. Bloch and S. Kracauer in Marseille on September 8, 1926 (Éditions Commune, 2023).

24.01.26 – 7:00–8:00 p.m.

Constitution / Languages / Signs / Theatre

7:00 p.m. – Barbara Cassin, philologist, Hellenist, and French philosopher, member of the Académie française. Latest book: The War of Words (Flammarion, 2025).
“Trump and Putin each invent their own Newspeak. And I am afraid that one day we will no longer be able to say: this is a lie.”

7:15 p.m. – Philippe-Joseph Salazar, Emeritus Distinguished Professor, Faculty of Law, University of Cape Town.
“In this battlefield that discourse has become, it is urgent to reclaim speech. For if words can be a lethal weapon, they are also our last bulwark against barbarism.”
Latest book: The Making of Fanaticism: Armed Speech (Éditions du Cerf, 2026).

7:45 p.m.

Gianni Sinni, Associate Professor at the University of Venice.
Design in the Time of Trump.
Latest publication: Designing Civic Consciousness. ABC for the Reconstruction of Civic Awareness (Codlibet, 2019).

24.01.26 – 8:00–9:00 p.m.
Colonial continuities under new forms or final liberations

While certain state crimes have been acknowledged, some artworks restituted, laws passed, and pardons expressed, new forms of colonialism are emerging in parallel. Territorial colonization is not the only form of domination, and democratic countries continue to practice differentiated treatment between their own citizens and those of subordinated or vassalized countries. As in the past, local inhabitants remain the last to be consulted.

8:15 p.m. – Dominique Rasanjison, multidisciplinary designer, founder of Tana Design Week, Madagascar.

8:30 p.m. – Samia Henni, historian and theorist of architecture, graduate of ETH Zurich and EPAU Algiers.
On territories built and destroyed for military purposes, extractivism, and gender issues in colonial contexts.

8:45 p.m. – Camille Lawson-Body, economist, Togo / Paris.

24.01.26 – 9:00–10:00 p.m.
Digital technologies, artificial intelligence, and democracy

What role do algorithmic literacy, critical media analysis, and the fight against manipulation and its detection play today in democratic thinking? How do social networks contribute to the erosion of politics when the private sphere overtakes the public sphere? And how do technology companies influence the deformation of democracy?

9:00 p.m. – Reto Vogt, Professor of Digital Media and Artificial Intelligence at MAZ, Lucerne.

9:15 p.m. – Jan Kubasiewicz, Professor at the Massachusetts College of Art and Design, Boston; founder of the Dynamic Media Institute.

9:30 p.m. – Jan Piechota, visual communication designer and design researcher, Polish-Japanese Academy of Information Technology, Warsaw.

9:45 p.m. – Ewa Satalecka, Professor at PJATK and Dean of the Faculty of New Media Arts, Polish-Japanese Academy of Information Technology, Warsaw.

24.01.26 – 10:00–11:00 p.m.
Sustainable development and democracy

10:00 p.m. – Adama Sow, polytechnic engineer, specialist in energy strategy and organizational management; Association of Volunteers for Sustainable Development (AVD).

24.01.26 – 11:00 p.m.–12:00 a.m.
Exile, diasporas, and democracies

As of January 1, 2024, the European Union hosted 29 million third-country nationals, representing 6.4% of its population without EU citizenship. At the same time, 14 million European citizens lived in a Member State other than their own. What rights do they have in the countries where they live and pay taxes? What rights do they retain in their countries of origin?

11:00 p.m. – Dounya Hallaq, co-founder of the Parliament of Exiles.
Creating a space for civic representation of exiled people in France through the election of trained candidates ready to carry the voices of those who are not heard.

11:15 p.m. – Wicky Bella Ola. Once a month, his association “Un Maaé pour tous” distributes 250 meals made from sub-Saharan African products to homeless people in Paris.

11:30 p.m. – Frédéric Callens, Head of “Associative Life and Civil Society,” Palais de la Porte Dorée and National Museum of the History of Immigration.

11:45 p.m. – Alexandre Bella Ola, chef, actor, participant in the Civic City project “Tables en relation.”
Latest publication: The Cuisines of Sub-Saharan Africa.

25.01.26 – 12:00–1:00 a.m. (Paris time)

8:00 p.m. Santiago de Chile time – Spanish–English translation

Chile under influence

At this pivotal moment, as the Chilean pendulum swings between transformative promise and authoritarian reaction, democracy reveals itself as an exhausted artifact. It is no longer enough to defend its empty forms; its very essence must be redesigned.

We invite you on a collective journey: how can democracy be reimagined through feminism that questions power, literature that expands the realm of possibility, and art that builds new symbols?
Let us speak not to restore what was, but to found what must be.

Discussion with:
– Diego del Pozo, Cultural Attaché of the Chilean Embassy in Paris
– Enrique Rivera, exhibition curator, researcher, audiovisual producer; Executive Director of the Fundación Tiempos Nuevos, managing the Interactive Museum Mirador (MIM)
– Irina Karamanos Adrián, anthropologist, sociologist, political scientist, feminist leader who transformed the political and cultural role of the First Lady in Chile
– Miguel Giorgie, landscape architect, Coloco, visiting Santiago de Chile

25.01.26 – 1:00–2:00 a.m.
Costa Rica – Colombia: Living infrastructure

In tropical America, life continuously resurges and self-organizes; this vitality forms a deep infrastructure that we may choose to recognize.
Listening to its needs, welcoming new living co-citizens, valuing other ways of living together.

How can urban planning, local political action, and ecological economics converge to honor this reality? In a rapidly changing world, biological, cultural, and social diversity creates the adaptability needed to face future uncertainties.

Between San José and Bogotá, cross perspectives to rethink how we make the world.

1:00 a.m. – Arnaud Nicolas Solis, social designer, ecological, social, and ethical issues.
1:15 a.m. – Huberth Méndez Hernández, Advisor to the Mayor and Deputy Director of Public Services, San José, Costa Rica.
1:30 a.m. – Edgar Mora Altamirano, political activist, public administrator, urban planner, journalist; former Minister of Public Education of Costa Rica and former Mayor of Curridabat.
1:45 a.m. – Alexander Rincón Ruíz, researcher and coordinator of the research line Integral Evaluation of Biodiversity and Ecosystem Services at the Humboldt Institute, Colombia.

25.01.26 – 2:00–3:00 a.m.
Venezuela and international law

2:00 a.m. – Gabriella Sarmiento.

25.01.26 – 3:00–4:00 a.m.
Armenian Genocide

3:00 a.m. – Philippe Macasdar, dramaturge, actor, and director for 24 seasons of the Théâtre Saint-Gervais in Geneva, reads excerpts from The Forty Days of Musa Dagh by Franz Werfel.
Published in 1933, banned by Hitler and burned in Nazi book burnings, the novel was an immediate worldwide success. Werfel drew inspiration from events in the summer of 1915 in southwestern Turkey, on Mount Musa Dagh, where 5,000 Armenians resisted deportation and Ottoman military assaults.

3:15 a.m. – Armenian current affairs
3:30 a.m. – Kurdish theatre
3:45 a.m. – Kurdish current affairs

25.01.26 – 4:00–5:00 a.m.
Sri Lanka, Nepal, Bangladesh and Generation Z
25.01.26 – 5:00–6:00 a.m.

5:00 a.m. – Mariko Sugita, independent designer and researcher in architecture and urbanism, Kyoto, Japan.

25.01.26 – 6:00–7:00 a.m.
Afghanistan, India, Pakistan

6:00 a.m. – Bénédicte Roscot, The Impossible Spring of Afghan Women Exiled in Lille.

25.01.26 – 7:00–8:00 a.m.
Middle East

7:30 a.m. – Open space

25.01.26 – 8:00–9:00 a.m.
Lebanon

8:00 a.m. – Odile Khoury, Head of the Department of Graphic Design and Advertising, Holy Spirit University of Kaslik.

8:15 a.m. – Jihane Sfeir-Khayat, historian of the contemporary Arab world, Associate Professor at Université libre de Bruxelles, founder of the Observatory of Arab Worlds.
“The Illusion of Lebanese State Sovereignty and the Ambiguity of Public Policy,” Revue du droit public, 2023.

25.01.26 – 9:00–10:00 a.m.
Design as a driver of new imaginaries

Today, in an era in which urbanization largely defines the human condition, we are navigating an equally unknown territory—not only that of nature, but of built and natural environments forming a unique, interdependent continuum in constant transformation.

Speakers:
– Hubert Klumpner, Professor at ETH Zurich, Urban Think Tank – next (Zurich, Medellín, Sarajevo)
– Michael Walczak, Postdoctoral researcher at ETH Zurich, leading the Sarajevo Urban Transformation Program
– Senka Ibrisimbegovic, University of Sarajevo, Director of ARS AEVI Museum
– Diego Ceresuela Wiesmann, Architect, Co-Director of the Urban Transformation Program Colombia (UTPC), Medellín
– Alejandro Restrepo, Director of Urban Projects, City of Medellín; Professor at Universidad Pontificia Bolivariana

25.01.26 – 10:00–10:45 a.m.
Fighting fascism and defending democracy

The resurgence of (post-)fascism is a global phenomenon resisting simple formal definition.
Decentralized and woven into transnational networks, it draws on multiple forms of racism and nationalism.
Are we witnessing the emergence of new dictatorships? What traits of historical fascism do they adopt?
What about language and propaganda—and how can they be resisted?

10:00 a.m. – Mark Bray, historian of antifascism, threatened in the United States, refugee in Spain.
10:15 a.m. – Olivier Mannoni, translator of German literature and philosophy.
Latest book: Brown Flood: How Fascism Invades Our Language (Paris, Héloïse d’Ormesson, 2024).

25.01.26 – 10:45 a.m.–12:00 p.m.
Spatial planning and democracy

How do forms of democracy articulate with power distribution, systems of inclusion and exclusion, and urban architecture?
Is the city reclaiming a scale of governance that is both local and transnational?
What role do floating regimes of financial capitalism play—using urban centers as zones and platforms beyond the control of the nation-state?
How do spatial articulations condition and transform politics?
And how can urbanism and architecture be reread historically as spatializations of the political?

10:45 a.m. – Renée Tribble, Professor at Ostwestfalen-Lippe University of Applied Sciences, Detmold.
11:00 a.m. – Tabea Michaelis, urban and landscape design, democracy and spatial planning.
11:15 a.m. – Markus Bader, Raumlabor Berlin, Plastic Democracy.
11:30 a.m. – Markus Miessen, architect, writer, Professor of Urban Regeneration, University of Luxembourg.
11:45 a.m. – Tom Bieling, Professor of Design Theory, HfG Offenbach, “Public Space as Democratic Infrastructure”.
12:00 p.m. – Robin Coenen, University of the Arts Berlin, information designer at the intersection of design, science, technology, and visual anthropology.

25.01.26 – 12:15–1:00 p.m.
Freedom of movement and the right to choose where to live

While the postcolonial world struggles with the consequences of colonization—persistent economic crises and climate change—Northern countries continue to entrench isolation.
This entails securing resources, infrastructures, borders, and land; financializing exploitative climate adaptation measures; and (de)mobilizing migrants, climate-vulnerable populations, and increasingly mobile elites.
Political economy rests on regulated and controlled circulation of people and goods between designated zones.
Migration results from disparities between populations on either side of borders.
But where is the universal freedom to move and choose one’s place of residence?

12:15 p.m. – David Yambio.
12:30 p.m. – Danielle Rosales, graphic designer and sociologist working across culture, architecture, and urbanism.

25.01.26 – 1:00–2:00 p.m.
Conclusion from the studios in Frankfurt and Saint-Étienne

1:00 p.m. – Civic City: Ruedi Baur, Vera Baur, Christopher Dell.
1:15 p.m. – Éric Jourdan, Director of the Cité du Design and the School of Art and Design.
1:30 p.m. – Felix Kosok, design researcher and graphic designer, World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026, and Kai Rosenstein, Director of Scenography.
1:45 p.m. – Caroline Naphegyi, Program Director, Lille Métropole WDC 2020.

Maurer-Laube, David & Mentzos, Zachary & Bieling, Tom (2026): SPEAK UP – Exploring Open Dialogue Spaces as Tools for Democratic Community Empowerment. in: Tom Bierling, Wolfgang Jonas & Maria Cecilia Loschiavo dos Santos (Eds.): Community (&) Design – Material, Spatial, and Social Encounters. Design Meanings / Mimesis International, Milano [in Print].

Auch an Kunst- und Designhochschulen ist KI nicht allein als technisches Hilfsmittel zu verstehen, sondern als kulturelle Praxis, die bestehende Konzepte von Autor:innenschaft und schöpferischer Kompetenz gleichermaßen herausfordert. Lehr- und Lernprozesse stehen damit vor der Aufgabe, sowohl anwendungsbezogene Fähigkeiten als auch ein vertieftes Verständnis für die ästhetischen, historischen und ethischen Dimensionen von KI zu vermitteln.

Mit dem Mini-Symposium AI SLOP lädt das Lehrgebiet Designtheorie in Kooperation mit KI Lab der HfG Offenbach dazu ein, dieses Spannungsfeld genauer unter die Lupe zu nehmen: Gemeinsam möchte man sich eine Übersicht über aktuelle Anwendungen von KI in Lehr- und Lernprozessen verschaffen, didaktische Ansätze diskutieren und die damit verbundenen ethischen Fragestellungen beleuchten.

Promptografische Ästhetik und Bildgeschichte

Exemplarisch vertieft wird dieser Themenkomplex im Beitrag von Jens Schröter. In seinem Vortrag widmet er sich dem Status von KI-generierten Bildern, die fotografisch anmuten, und verortet sie innerhalb der Geschichte computergenerierter Bilder. Damit öffnet er einen theoretischen Rahmen, der es erlaubt, aktuelle Bildpraktiken nicht isoliert, sondern als Teil einer längeren medienhistorischen Entwicklung zu verstehen.

Ausgehend von dieser Einordnung richtet sich der Blick auf künstlerische Positionen, die das noch junge Terrain einer „promptografischen Ästhetik“ erkunden. Im Zentrum steht dabei die Frage, wie sich gestalterische Entscheidungen, Autor:innenschaft und ästhetische Intention verschieben, wenn der gestlaterische Prozess maßgeblich über textbasierte Prompts vermittelt wird. Schröters Beitrag liefert damit wichtige Impulse für die theoretische Auseinandersetzung mit KI-Bildern in Kunst und Design – und für deren kritische Integration in die Lehre.

Ethische Perspektiven auf KI in der Gestaltung

Ergänzt wird diese Perspektive durch einen allgemeineren, ethisch ausgerichteten Impuls von Aljoscha Buchrard. Im Mittelpunkt steht die grundlegende Frage: Wie wollen wir mit KI arbeiten? Dabei geht es weniger um konkrete Tools als um Haltungen, Werte und Verantwortlichkeiten im Umgang mit KI-Systemen. Themen wie Transparenz und Machtverhältnisse werden dabei ebenso berührt wie die Rolle von Lehrenden und Studierenden als aktiv Gestaltende dieser Technologien.

Der Nachmittag versteht sich somit als Raum für Orientierung, Austausch und kritische Reflexion. Er verbindet theoretische Grundlagen mit praktischen Fragestellungen und eröffnet Perspektiven darauf, wie KI verantwortungsvoll und produktiv in Lehr- und Lernprozesse an Kunst- und Designhochschulen eingebunden werden kann.

High-Polish vs. AI Punk

Natalie Wilke zeichnet die Entwicklung künstlerischer Praxis mit generativen KI-Systemen an einer Kunsthochschule nach. Anhand studentischer Projekte zeigt sie den Wandel von einer output- zu einer input-orientierten Herangehensweise und stellt das Phänomen des AI Punk als Gegenpol zur glatten High-Polish-Ästhetik vor. Ein Exkurs beleuchtet zudem einen voruniversitären Vermittlungsort von KI.

Open AI Ökosysteme

Stefan Wölwer, Professor für Interaction Design in Hildesheim, untersucht KI-gestützte Interaktionsräume jenseits des Visuellen – etwa über Klang, Takt und Raumwirkung. Mit seinem Team entwickelt er das Open-Source-KI-Ökosystem HAWKI, das alternative, transparente und designorientierte Arbeitsweisen mit KI erforscht.

Der Eintritt ist frei. Eine Anmeldung nicht nötig.

Mit Beiträgen von:
Dr. Aljoscha Burchardt, DFKI Berlin
Prof. Dr. Jens Schröter, Universität Bonn
Nina Wilke, HfG Offenbach
Prof. Stefan Wölwer, HAWK Hildesheim

Moderation:
Prof. Dr. Tom Bieling, HfG Offenbach

15.01.2026
Beginn: 15:00 Uhr
Diskussion: 17:45 Uhr

KI-Lab, HfG Offenbach (Raum 307)
Schlossstraße 31, 63065 Offenbach

Eine Veranstaltung des Lehrgebiets Designtheorie in Kooperation mit dem KI-Lab der HfG Offenbach. Organisation: Tom Bieling, Susanne Wieland, Leon-Etienne Kühr, Mattis Kuhn.

* AI SLOP Bezeichnet KI-generierte, massenhafte und generische Inhalte.

For many of us, Agnes was far more than a colleague. She was someone you were always glad to meet, someone you truly enjoyed talking to — open, attentive, warm-hearted and genuinely interested in what mattered to others.

What made Agnes so special was her attitude: her curiosity, her critical perspective, and her sincere commitment. She asked questions not to instruct, but to understand. Agnes followed the work of DESIGNABILITIES with great interest, and the conversations we shared with her about it will stay with us for a long time.

Agnes is deeply missed — as a colleague, a conversation partner and as a human being. What remains is profound gratitude for the time we shared, and for the many small, precious moments we were fortunate to experience with her.

Thank you, dear Agnes. Farewell.

🖤

Agnes Meyer-Wilmes Vortrag zu fehlenden und möglichen visuellen Konzepten auf Wortkarten und Arbeitsblättern zur semantischen Qualifikation für Jugendliche und Erwachsene, Konferenz NICHT-WORT – Gestaltung für Sprachbildung im Haus des Buches Frankfurt, 22. Juni 2017 (Bild: Georg Christoph Bertsch

The program is aimed at Art College, academy or related educational institution postgraduates who have extensive experience with ceramic materials and would like to deepen their artistic or design skills with porcelain. The goal is to promote young artistic talents in the field of porcelain as well as to encourage the advancement of the tradition of porcelain design in the context of materials research. New concepts of form, material and design can be explored and developed in an experimental work with porcelain.

HÖCHSTER PORZELLAN-MANUFAKTUR: UNIQUE PLACE FOR RESEARCH AND LEARNING

The residency will take place at the Höchster Porzellan Manufaktur, Germany’s second oldest porcelain manufactory founded in 1746 and the Hochschule für Gestaltung’s new satellite location for research and teaching since 2023. The Hochschule für Gestaltung is transforming the Höchster Porzellan Manufaktur, steeped in tradition, into a place of research and learning to further develop porcelain design.

The scholarship at the Höchster Porzellan Manufaktur provides unique conditions for the linking of the traditional artisanship and artistic know-how of the HPM with the innovative interdisciplinary teaching and research concepts of the HfG. These include new digital processes such as ceramic 3D printing, robotics, new digital surface finishes and opening up to other material groups, processes and contexts.

In the residency program, artists are provided with a studio, materials and equipment. The scholarship holders can use HPM’s production facility and workshops. The production area of the Höchster Porzellanmanufaktur includes: Mold making, foundry, embossing and painting. In addition to the 2.3 m3 gas kiln, suitable for annealing and gloss firing up to 1400°C, there are 60- liter electric chamber kilns in which annealing, decorative firing and glaze firing can take place.

HPM (Link)
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For 4 month the scholarship holders can deepen their work with porcelain at HPM in their artistic project - the plan is to work on site at least 4-5 days a week, daily 6-8 hours. During their stay, they will work on realization of their conception and execution, exhibition and documentation of the project. They are invited to make innovative use of the practical possibilities of the manufactory and to interact with students, teachers, each other and the public in workshops, lectures, evening events and exhibitions. The residency team welcomes and accompanies the scholarship holders through the program.
A jury of experts from teaching, research and the porcelain manufactory selects the scholarship holders. The residency program initiates twice a year, in tandem to the HfG semester periods.

RESIDENCY SPONSORSHIP

⋅ Studio workplace at Höchster Porzellan Manufaktur, Frankfurt Höchst

⋅ A room in the residency guest apartment in Offenbach

⋅ Financial support for creative work: EUR 1.000,00 per month

⋅ ‘Deutschlandticket’ (public transportation)

⋅ Work materials costs: on request up to EUR 500,00

⋅ Travel expenses: on request costs to and from location (max. 1.500,00 EUR)

⋅ Exhibition: costs coverage in coordination

⋅ Documentation of the creative positions (in photography, film, catalog, etc.): Cost coverage in coordination

⋅ Transfer program workshop and lecture: Compensation for effort in coordination

⋅ Participation in the national and international networking of the HfG

⋅ Participation in the life of the art academy and research opportunities in the context of the HfG (library, research networks, institutions)

APPLICATION and CONTACT

We are happy to answer any questions you may have and wish you every success with your application!

Contact: Nadya Bascha, Coordinator HPM, bascha@hfg-offenbach.de, T +49 (0)69.80059-351

Application link

With the kind support of the Crespo-Foundation, the Aventis-Foundation and Land Hessen (Ministry of Science and Art).